Territorio Ranown

COWBOYS & ALIENS (2011)

2011-09-02T18:20:00.001+02:00

La fusión entre un género tan definido como es el western y el fantástico (en este caso concreto, en su vertiente de ciencia ficción) no es tan nuevo como pudiera parecer en un inicio, y ahí tenemos un clásico como El Imperio fantasma (The Phantom Empire, 1935), de B. Reeves Eason y Otto Brower para caracterizar toda una corriente que bien merecería un tratamiento más pormenorizado. Cowboys & Aliens es una entrega más de esta curiosa modalidad, la más cara hasta el momento, acaso después de la célebre Almas de metal (Westworld, 1973), de Michael Crichton, en este caso a partir de un cómic que no he leído, pero, por lo que me cuentan, tampoco me he perdido nada, pese al atractivo punto de partida.

Así, la película escrita por un amplio equipo de guionistas (demasiados), encabezado por dos de la plantilla de J. J. Abrams, tiene la virtud de aproximarse a un planteamiento un tanto resbaladizo con seriedad, cuando tan fácil hubiera sido caer en un humor simplón e infantiloide de algo como Wild Wild West (Wild Wild West, 1998), de Barry Sonnenfeld –pésima adaptación de la maravillosa serie televisiva Jim West (Wild Wild West; 1965-1969)–, con la cual inicialmente tenía todas las cartas para haber sido comparada, pero que por suerte la supera con creces.

El arranque es potente, con la aparición del personaje de Jake Lonergan (un sobrio Daniel Craig, que muestra un asombroso parecido con Steve McQueen, aunque ofreciendo una interpretación mucho mejor) en medio de un terreno semi-desértico sin saber quién es y cómo ha llegado ahí. Es un buen inicio para que el espectador vaya de la mano del protagonista intentando descubrir el misterio que lo envuelve. Esa parte inaugural, asimismo, es la que más se centra en mostrar una reproducción de las características iconográficas del western que, además, se ofrece no con la representación feísta-esteticista tan habitual en los últimos tiempos, sino con un look mucho más cercano al cine clásico de una época en la cual el género ya languidecía, como pudiera ser Nevada Smith (Nevada Smith, 1966), de Henry Hathaway, protagonizada precisamente por Steve McQueen.

Después, se insertan los elementos de ciencia ficción, pero para entonces el invento ya hace tiempo que se ha desmoronado. El guion no hace otra cosa que acumular todos los tópicos inherentes al western y, cuando la trama comienza a sufrir interferencias fantacientíficas, otro tanto sucede con este género, a tal punto que el resultado está exento de toda frescura y originalidad, y el espectador se encuentra con la sensación de algo ya visto, y donde el intento de desarrollar algo políticamente correcto llega al límite de lo risible (y que no especificaremos en aras de futuros espectadores). La falta de atractivo de ese esquemático guion se aúna a una puesta en escena muy poco imaginativa de Jon Favreau (que ya está claro que nunca debió abandonar su carrera de actor, aunque ahí tampoco es que luciera demasiado), que confunde clasicismo con insulsez y desarrolla las escenas de un modo mecánico y desabrido.

El apartado del reparto tampoco logra elevar demasiado el percal. Ya se ha mencionado la excelente labor que realiza Daniel Craig, pero ahí acaba todo: Harrison Ford se pasa media película imitando a John Wayne, y la otra mitad imitando a Harrison Ford; dos actores tan interesantes como Clancy Brown y Keith Carradine tienen papeles muy escasos y peor desarrollados (en especial el primero, que debe bregar con unos diálogos vergonzantes); y Olivia Wilde despliega un personaje que se pretende enigmático alternando modales chulescos y actuación inexpresiva.

El clímax final, que se esperaría épico, está pésimamente aprovechado por la carencia de intensidad de las imágenes, y la emoción que habría de desprender es por completo inexistente. Así, esta película hecha solo para entretener (argumento con el que se suelen excusar naderías del calibre de la presente) no logra reunir los mínimos admisibles en un producto de este aparente empaque, conformando un film anodino, soso y con nulos elementos para recordar una vez se ha salido de la sala.

Anécdotas

* El papel de Jake Lonergan fue previsto para Robert Downey Jr., pero no pudo acceder a él por problemas de agenda. * Daniel Craig fue elegido por su parecido con Steve McQueen. * Un guion previo fue escrito por Thomas Dean Donnelly y Joshua Oppenheimer.

Carlos Díaz Maroto

FICHA TÉCNICA

Dirección: Jon Favreau.

Producción: Johnny Dodge, Brian Grazer, Ron Howard, Alex Kurtzman, Roberto Orci, Scott Mitchell Rosenberg, Damon Lindelof para Universal Pictures, DreamWorks Pictures, Reliance Entertainment, Relativity Media, Imagine Entertainment, K/O Paper Products, Fairview Entertainment, Platinum Studios.

Guion: Roberto Orci, Alex Kurtzman, Damon Lindelof, Mark Fergus, Hawk Ostby, según argumento de M. Fergus, H. Ostby, Steve Oedekerk, basado en el cómic de Scott Mitchell Rosenberg publicado por Platinum Studios.

Fotografía: Matthew Libatique.

Música: Harry Gregson-Williams.

Montaje: Dan Lebental, Jim May.

Intérpretes: Daniel Craig (Jake Lonergan), Harrison Ford (Woodrow Dolarhyde), Abigail Spencer (Alice), Buck Taylor (Wes Claiborne), Olivia Wilde (Ella Swenson), Sam Rockwell (Doc), Matthew Taylor (Luke Claiborne), Cooper Taylor (Mose Claiborne), Clancy Brown (Meacham), Paul Dano (Percy Dolarhyde), Chris Browning (Jed Parker), Adam Beach (Nat Colorado), Ana de la Reguera (María), Noah Ringer (Emmett Taggart), Brian Duffy (comisario), Keith Carradine (sheriff John Taggart), Brendan Wayne (Charlie Lyle), Gavin Grazer (Ed), Toby Huss (Roy Murphy), Wyatt Russell (Little Mickey), Jimmy Jatho, Kenny Call, Walton Goggins, Julio Cedillo, Garret Noel, David O'Hara, Troy Gilbert, Raoul Trujillo...

Nacionalidad y año: Estados Unidos 2011.

Duración y datos técnicos: 118 min. color 2.35:1.

VALOR DE LEY (TRUE GRIT, 2010)

2011-02-11T21:25:00.005+01:00

Valor de ley, la popular novela de Charles Portis está narrada en primera persona por una ya madura Mattie Ross en los años 20 del siglo XX sobre las andanzas que vivió siendo una decidida adolescente en busca del asesino de su padre, acompañada por dos agentes de la ley en plena Nación Choctaw en el Salvaje Oeste. La narración de Mattie se caracteriza por un tono que alterna a la perfección el contraste entre la moral de raíz religiosa de la protagonista y los espontáneos toques de humor nacidos gracias a la recreación de una época y un lengüaje arcaicos pero vívidos, coloristas y algo nostálgicos, pero también mostrando su contrapartida ambigua, cruel y sórdida.

Desde este punto de partida, rápidamente podemos distinguir la diferencia tomada en sus dos adaptaciones cinematográficas en lo que al tono tratado se refiere: en la primera versión, firmada por Henry Hathaway, este abordó la historia desde un punto de vista emocional, más cercano a lo dicharachero del original literario pero cambiando a la perfección el registro cuando la ocasión lo requería para contar la historia de una maduración emocional de la protagonista: Mattie, tenaz y sin amilanamientos, acaba comprendiendo que la vida puede llegar a superarnos y que todo depende de los límites que uno mismo se pone por delante, como ejemplificaba su compañero Rooster Cogburn, el desastrado y rudo Marshal Federal que le acompañaba.

En contrapartida, la versión de los hermanos Joel y Ethan Coen, anunciada como más fiel a la obra de Portis, acaba siendo a la postre mucho más libre, pero complementaria al clásico protagonizado por Wayne. En esta ocasión, los hermanos toman como opción para construir su película el carácter rígido de Mattie, mostrando por su parte las diatribas entre el bien y el mal, lo acertado y lo erróneo, lo moralmente recto y lo ambiguo de una manera que recuerda a su otra galardonada adaptación del No es país para viejos (No Country for Old Men, 2007) de Cormac McCarthy.

Para ello, los Coen, reconocidos por dinamitar las constantes de aquellos géneros que abarcan, dan por sorpresa su película de hechuras más clásicas hasta la fecha, y sorprendentes dentro de un panorama cinematográfico actual tendente al efectismo y la hipertrofia, adoptando unas formas que bien parecen en vías de extinción. Con todo, uno se queda con cierto regusto amargo al comprobar que esta mesura narrativa y visual está demasiado contenida, demasiado fría, quizá demasiado acorde a esta visión moral de la historia, pero que en parte deja en suspensión de rematarlas, pongamos por caso los morosos episodios centrales del ahorcado y el buhonero arropado con pieles de oso (ambas escenas no presentes en la novela), la escena inicial de la ejecución donde no se entrevé el carácter de espectáculo público, o el clímax final, muy bien rodado y montado, pero carente de ese halo de épica medieval que hizo canónica a su homóloga en la versión de Hathaway.

Por lo demás, en lo referente al resto de implicados de importancia en el film, cabe alabar la estupenda actuación de Jeff Bridges, en las mismas cotas de excelencia del John Wayne que ganó el Oscar por la anterior versión, así como la debutante Hailee Steinfeld, capaz de aguantar meritoriamente el tipo ante su partenaire. Mucho meno definid estánel LaBoeuf de Matt Damon, del que se nota que no se sabía que hacer mucho con su papel y aparece y desaparece caprichosamente del metraje; así como el villano encarnado por un Josh Brolin totalmente episódico, no así Barry Pepper, igual de breve que el anterior pero soberbio en la piel de Lucky Ned Pepper. Mención especial a la excelente fotografía de Roger Deakins y al recuerdo de La noche del cazador (The Night of the Hunter, 1955), de Charles Laughton, que trae la utilización del salmo Leaning on the Everlasting Arms en la banda sonora por parte de Carter Burwell, contrapunteando así la visión que moralmente dan los hermanos a la película.

Por último, y a tenor del largo debate que dará la elección entre ambas versiones, me mojaré a favor de vieja escuela de Hathaway & Wayne, sin restar el reconocimiento de los méritos de la presente versión y entendiendo la complementariedad existente entre ambas.

FICHA TÉCNICA

Directores: Ethan Coen, Joel Coen.

Producción: Scott Rudin, Joel Coen, Ethan Coen para Paramount Pictures.

Productor ejecutivo: Steven Spielberg.

Guión: Joel y Ethan Coen.

Fotografía: Roger Deakins.

Música: Carter Burwell.

Montaje: Joel y Ethan Coen (como Roderick Jaynes).

Intérpretes: Jeff Bridges (Rooster Cogburn), Hailee Steinfeld (Mattie Ross), Matt Damon (LaBoeuf ), Josh Brolin (Tom Chaney), Barry Pepper (Lucky Ned Pepper), Dakin Matthews (Coronel Stonehill), Paul Rae (Emmett Quincy), Domhnall Gleeson (Moon), Elizabeth Marvel (Mattie adulta), Roy Lee Jones (Yarnell), Ed Corbin (Bear Man), Leon Russom (Sheriff), Bruce Green (Harold Parmalee), Peter Leung (Chen Lee), Don Pirl (Cole Younger), Joe Stevens (Abogado Goudy), J.K. Simmons (Abogado Daggett [voz])...

Nacionalidad y año: EE.UU. 2010.

Datos técnicos: 2:40:1. Color.

POWDER RIVER (1953)

2010-07-09T02:44:00.000+02:00

No pocas son las argucias de los directivos de Hollywood para reciclar materiales de cara a exprimir éxitos precedentes a base de secuelas o spin-offs o bien generar productos tremendamente similares con semejantes intenciones comerciales. En el caso de Powder River, en principio debiera ser estimulante el ver en los créditos iniciales el nombre de Stuart N. Lake, biógrafo de Wyatt Earp, como autor de la novela de base de la que no se menciona el título, pero una vez que empiezan a sucederse los acontecimientos del metraje, cualquier espectador avezado y con un bagaje suficiente en el género puede darse cuenta que no estamos sino ante una readaptación “libre” de su ya famosa biografía (no demasiado fiel a la realidad, todo sea dicho) sobre Earp titulada “Frontier Marshal” y ya llevada a las pantallas en tres ocasiones, todas ellas por la 20th Century Fox, reexplotando periódicamente los derechos de la novela.

Sin conocer la primigenia versión de 1934 y eludiendo conscientemente el buscar como referente Pasión de los fuertes (My Darling Clementine, 1946), ya que el maestro Ford tiró para sus dominios personales en su versión, no queda buscar referencias más que con Frontier Marshal (1939) de Allan Dwan, comprobando con estupefacción como la única labor realizada en el guión con respecto a la historia original es el hecho de sustituir los nombres de los personajes, las localizaciones y los rasgos mínimos para camuflar, como si de una capa de pintura se tratase, los atributos originales de la historia.

Dirigida por Louis King, hermano menor del más reputado Henry King, con una puesta en escena totalmente invisible, no por sutilidad, sino por formularia y primaria, ya que no llega a explotar el potencial del conjunto, por muchas veces que se haya visto, hilvanando escena tras escena con un monótono hilo falto de énfasis y sin extraer más allá de la presencia de sus intérpretes principales, un Rory Calhoun tan adusto como de costumbre, un Cameron Mitchell con el personaje más desaprovechado de la función (el álter ego de Doc Holliday, aquí con tumor cerebral en vez de tuberculosis) y una Corinne Calvet algo más espontánea que sus partenaires, dentro de lo que cabe.

Con todo, solamente nos queda mencionar un final, que si la memoria no falla, sí parece apartarse algo del original, resolviendo la película de forma que la amistad de ambos protagonistas, Calhoun y Mitchell, se vea forzada a la ruptura al ser uno el objetivo desconocido del otro, y con un pequeño buen detalle de guión: el agujero en las alforjas que va derramando su contenido de oro en polvo y cómo se percatan ambos actores de ello, único apunte inspirado, además del Technicolor de Cronjager, de este western b de consumo rápido.

FICHA TÉCNICA

Director: Louis King.
Producción: André Hakim, para 20th Century Fox.
Guión: Geoffrey Homes, según un argumento de Sam Hellman, basado en la novela “Frontier Marshal” de Stuart N. Lake.
Fotografía: Edward Cronjager.
Música: Lionel Newman.
Sonido: Bernard Fredericks, Stanley Hough.
Montaje: William B. Murphy.
Intérpretes: Rory Calhoun (Chino Bullock), Cameron Mitchell (Mitch Hardin), Corinne Calvet (Frenchie Dumont), Penny Edwards (Debbie Allen), Carl Betz (Loney Hogan), John Dehner (Harvey Logan), Raymond Greenleaf (Prudy), Victor Sutherland (Alcalde Lowery), Robert J. Wilke (Will Horn), Frank Ferguson (Johnny Slater), Walter Sande (Sam Harris), Henry Kulky, Robert Adler, Phil Cambers, Mae Marsh, Hank Worden, James Griffith, John Beradino, Stanley Andrews, Eddy Waller …
Nacionalidad y año: Estados Unidos. 1953.
Duración y datos técnicos: 74 minutos. Technicolor 1.37:1.

PASSAGE WEST (1951)

2010-06-12T02:54:00.001+02:00

Qué pena le entra a uno cuando una película desaprovecha sus posibilidades, cuando teniendo ingredientes para lograr unos resultados encomiables se queda a mitad de camino, y sin llegar a ser un fracaso permite percibir con claridad aquellos hipotéticos logros que no ha sabido explotar. Esto es precisamente lo que sucede con Passage West, western de la Paramount dirigido por el habitual del estudio Lewis R. Foster con John Payne y Dennis O’Keefe a la cabeza de cartel, equipo que un año antes ya ofreciera otro western de similar nivel en cuanto a producción se refiere.

Partiendo de un guión propio cuyo argumento -elaborado por Alvah Bessie, que hubo de ceder su nombre en los créditos al actor Nedrick Young, por estar en las listas negras mccarthystas- es especialmente efectivo (un grupo de convictos fugados que se adueñan de una caravana), sin embargo Foster se muestra incapaz de aportar una dirección que vaya más allá del puro servicio funcional, faltándole la inspiración y el dinamismo que pudiera haberle aportado un cineasta más imaginativo. Con sólo pensar en la habilidad de alguno de esos veteranos directores de acción George Sherman o William Whitney sería más que suficiente…

Sin embargo, pese a ello Foster no consigue anular el potencial de la trama, especialmente durante la primera mitad de la película, la que recoge todo el tramo del viaje a la caravana, con el acierto de eludir totalmente a los perseguidores de los convictos y marcada por la tensión creada entre los pacíficos miembros de ésta y la banda de despóticos fugitivos que tiranizan a los primeros, liderados por el atractivo y antiglamuroso personaje de John Payne, bien ejecutado por el actor, sin duda el mejor del reparto junto a Frank Faylen; cuyas arbitrarias decisiones cuestan la vida incluso a un bebé de pocos meses (he aquí quizá la mejor escena de la película, con la madre trastornada cantando una nana a la cuna vacía).

En la segunda mitad, más sedentaria y dedicada a desarrollar las consabidas relaciones afectivas entre los personajes de Payne y la Whelan, y a la resolución de algunas tramas secundarias, pierde fuelle con respecto a la anterior, puesto que lógicamente la superfluidad de estas es bastante menos interesante que los tempestuosos choques del acto anterior.

Con todo, el tramo final retoma el vuelo debido en primer lugar a un par de detalles de interés, cuando tras ayudar los fugitivos a construir la ciudad, son incapaces de entrar a misa y tras acabar esta los ciudadanos, vestidos ya todos respetablemente, no disimulan su recelo ante los primeros. En segundo lugar, y de forma más destacada, el clímax está especialmente logrado, tras descubrir una veta de oro en el túnel que hará de almacén local, los forajidos decidirán quedárselo para ellos, mientras que Payne, culminando su redención con la autoinmolación para librar a la comunidad de las manzanas podridas, y que hace pensar en una sugerente idea, muy pesimista, eso sí; relacionada con la condición que en esos momentos sufría el creador de la historia que dio origen al film: la inmolación como sacrificio para volver al redil de una sociedad que desprecia a la oveja descarriada.

FICHA TÉCNICA

Director: Lewis R. Foster.

Producción: William H. Pine y William C. Thomas, para Paramount.

Guión: Lewis R. Foster, según argumento de Alvah Bessie, bajo crédito de Nedrick Young.

Fotografía: Loyal Griggs.

Música: Mahlo Merrick.

Sonido: Hugo Grenzbach.

Montaje: Howard Smith.

Intérpretes: John Payne (Pete Black), Dennis O’Keefe (Jacob Karns), Arleen Whelan (Rose Billings), Frank Faylen (Curly), Mary Anderson (Myra Johnson), Peter Hansen (Michael Karns), Richard Rober (Mike), Griff Burnett (Papa Emil Ludwig), Dooley Wilson (Rainbow), Mary Field (Miss Swingate), Richard Travis (Ben Johnson), Mary Beth Hughes (Nellie McBride), Arthur Hunnicutt (Pop Brennan), Susan Whitney, Paul Fierro, Guy Wilkerson, Victor Kilian, Walter Reed, Earle Hodgins…

Nacionalidad y año: Estados Unidos. 1951.

Duración y datos técnicos: 80 minutos. Technicolor 1.37:1.

CUATRO CARAS DEL OESTE (FOUR FACES WEST, 1948)

2010-05-18T10:03:00.001+02:00

El western es uno de los géneros menos valorados por gran cantidad de la cinefilia concienciada, quien lo delega a un asunto de evasión trivial que está reservado a ancianitos que rememoran sentados ante el televisor sus días de infancia, cuando este tipo de películas se rodaba masivamente. Si muchos de estos cinéfilos incluso miran condescendientemente películas de autores reconocidos como John Ford, Anthony Mann o Delmer Daves, la serie B está relegada al mayor de los desprecios. Cuatro caras del Oeste (Four Faces West, 1948) es un magnífico ejemplo del alto nivel medio de calidad del género en aquella época, amén de una muestra algo atípica.

Protagoniza Joel McCrea, posiblemente quien, junto a Randolph Scott, detenta el podio de intérpretes característicos del western de serie B. No en vano, Sam Peckinpah hizo encabezar el reparto a ambos en la modélica Duelo en la Alta Sierra (Ride the High Country, 1962), como representación arquetípica de un Oeste que en aquellas fechas iba desapareciendo lentamente. En 1948 el género estaba en plena eclosión, sin embargo el uso de este actor responde a motivos similares. De rasgos amables y atractivos, McCrea era el paradigma del vaquero melancólico y defensor de la ley protagonista de innumerables westerns de los 40 y los 50. En 1949 protagonizó la excelente Juntos hasta la muerte (Colorado Territory), donde uno de los grandes del cine norteamericano, Raoul Walsh, jugaba con su papel modélico otorgándole el papel de forajido; sin embargo, un año antes ya se había tributado un personaje similar en la presente, volteando la imagen que se tenía del actor, e impregnándola además de no poca ambigüedad.

El film está basado en una novela del especialista en la temática Eugene Manlove Rhoads, Paso Por Aqui (1926) -así, en español y sin tildes-, que convierten en un boceto cinematográfico William Brent y Milarde Brent, después desarrollado a modo de guión por C. Graham Baker y Teddi Sherman, quienes realizan una extraordinaria labor. Joel McCrea, como decíamos, es el forajido, que se hará llamar Ross McEwen. Al inicio del film asalta el banco, con suma amabilidad y simpatía, por cierto, huyendo tras el golpe. Será mordido por una serpiente, poco antes de intentar tomar un tren para despistar a la batida que ha salido tras él, percance que a punto estará de costarle perder su nuevo medio de locomoción; para subir al caballo de hierro será ayudado por Monte Márquez, un enigmático mexicano y, después, para curar sus heridas, le socorrerá Fay Hollister, una hermosa enfermera que viaja en el tren. Ya tenemos tres de los cuatro vértices (las cuatro caras) de la historia; el cuarto es el Sheriff Pat Garrett, el defensor de la ley y la justicia perseguidor del forajido.

Pat Garrett (1850-1908) fue un personaje real, amén de mitificado, del Oeste norteamericano. Trabajó de vaquero, cazador de búfalos, propietario de saloon y fue sheriff en Lincoln County, donde se topó con William Bonney, más conocido como Billy el Niño, y se hicieron grandes amigos. Sin embargo, cuando Billy fue considerado forajido, Garrett partió tras él, y acabó asesinándolo mientras el muchacho dormía plácidamente. La muerte de Billy el Niño por parte de Garrett es mencionada al inicio del film, como un acto heroico de Garrett para aplicar la justicia. Después, Garrett partirá tras McEwen de forma enconada y despiadada, sin inmutarse. Amén de ello, el banquero asaltado por McEwen ofrecerá una recompensa de tres mil dólares por él, mil más de lo que le robó, lo cual demuestra que la sustracción no le resulta demasiado punitiva, e incluso después insistirá que lo quiere bien muerto. McEwen, mientras, encontrará una amistad sincera y el amor, y después sacrificará su libertad, y quizás su vida, salvando de la muerte a una familia mexicana a causa de la difteria.

Garrett, interpretado de forma magistral por Charles Bickford (quien, además, muestra un notorio parecido físico con el auténtico Pat) tiene una especie de segunda oportunidad para compensar lo que hizo con Billy el Niño, a tal punto que la historia puede considerarse como un trasunto de aquel suceso. Garrett, inmisericorde, finalmente quedará anonadado ante el comportamiento de McEwen, dejando patente que muchas veces quien está al otro lado de lado de la ley no ha de ser necesariamente una mala persona, y quien la “defiende” en ocasiones no está impulsado por causas nobles.

Esa disyuntiva impregna la película en su totalidad, otorgándole una atractiva ambigüedad, haciendo que el espectador se sienta identificado con el “malo” o mostrando rechazo por el “bueno”, subvirtiendo los arquetipos.

Si la historia resulta espléndida, no lo es menos la puesta en escena del poco valorado Alfred E. Green. Realizador desde 1916, quizás la más famosa de las películas de su primera etapa sea la versión muda de El pequeño lord (Little Lord Fauntleroy, 1921) protagonizada por Mary Pickford. Dirigió más de un centenar de películas a lo largo de su carrera, que finalizó en televisión, y tocó gran cantidad de géneros, si bien destacó en el western, siendo en todo caso la presente su película más popular, junto a, quizás, la convencional comedia musical Copacabana (Copacabana, 1947), con Groucho Marx y Carmen Miranda. Aquí, Green aplica a las imágenes la impronta del cine negro, jugando con las sombras como reflejo de los estadios emocionales de los personajes, e incluso en las tomas diurnas la fisicidad de los negros prepondera en la fotografía excepcional de Russell Harlan. Los encuadres en picado y contrapicado, para destacar un personaje por encima del otro, predominan a lo largo del film, que supone una fábula de la vieja frontera acerca de la nobleza y el respeto por encima de los demás valores.

Carlos Díaz Maroto

FICHA TÉCNICA

Dirección: Alfred E. Green.

Productor: Harry Sherman para Enterprise Productions, Harry Sherman Productions, United Artists.

Guión: C. Graham Baker, Teddi Sherman, según una adaptación de William Brent y Milarde Brent de la novela Paso Por Aqui de Eugene Manlove Rhoads.

Fotografía: Russell Harlan.

Música: Paul Sawtell.

Montaje: Edward Mann.

Diseño de producción: Duncan Cramer.

Intérpretes: Joel McCrea (Ross McEwen), Frances Dee (Fay Hollister), Charles Bickford (Pat Garrett), Joseph Calleia (Monte Márquez), William Conrad (Sheriff Egan), Martin Garralaga (Florencio), Raymond Largay (Dr. Eldredge), John Parrish, Dan White, Davison Clark, Houseley Stevenson, George McDonald, Eva Novak, Sam Flint...

Nacionalidad y año: Estados Unidos 1948.

Duración y datos técnicos: 89 min. B/N 1.37:1.

THE LAWLESS FRONTIER (1934)

2010-05-06T00:51:00.004+02:00

Mucho ha cambiado la percepción del cine, tanto para la industria como para los espectadores, a lo largo de su historia. A cualquier aficionado actual sin la suficiente perspectiva puede tomarse a la ligera despectivamente el que se le diga que en las décadas de los 30 y 40 se hacían películas cuya única función era ser el complemento de otras de mayor enjundia, contentar a la chiquillería y completar las sesiones dobles o triples de sábado por la tarde. No son películas hechas para tomarlas totalmente en serio y muy seguramente haya que analizarlas en ese sentido.

The Lawless Frontier es una de las 16 películas que un jovenzuelo John Wayne, relegado a la serie b tras el fracaso económico de La gran jornada (The Big Trail, 1930), realizó para el productor Paul Malvern y distribuidas por la Monogram bajo el sello Lone Star, habitualmente dirigidas por Robert N. Bradbury con guión propio o de Lindsley Parsons y el concurso de dos personalidades de lustre, el gran George “Gabby” Hayes, como adlátere maduro de Wayne o padre/abuelo de la chica y el no menos mítico stuntman Yakima Canutt a cargo de la acción y de varios secuaces del villano. Los presupuestos muy puntualmente superaban los 10.000 dólares, una cifra totalmente irrisoria comparada con cualquier blockbuster actual.

Como en la mayoría de los films de la serie, el argumento es prototípico: el héroe busca al hombre culpable de la muerte de algún familiar en tal de saldar cuentas, encuentra a alguna granja cuya familia está siendo acosada por la banda de felones de turno, cuyo jefe es por lo general el hombre al que busca nuestro héroe. A partir de aquí es donde cabe apuntar las singularidades de cada producción por separado.

En el caso de The Lawless Frontier, hay que destacar la escena inicial ya que está particularmente lograda en comparación con el resto del film: a través de una ventana vemos, de noche, a un hombre mirar hacia el interior en plano medio, a continuación se corta a un plano que muestra el interior de la vivienda con un matrimonio y vuelve a cortar al hombre de la ventana que dispara a través de los cristales y huye. Acto seguido, llega el héroe Wayne al escuchar los tiros y queda enmarcado por la puerta en penumbra, completamente a contraluz, y enciende una cerilla que permite vislumbrar en su rostro el hallazgo. Mientras agacha la cabeza apenado el fósforo se apaga solo, para el que esto escribe, una idea totalmente imaginativa para un producto de este tipo.

También destacan el malo de la función, Pandro Zanti, uno de los más pintorescos del ciclo, un mestizo vestido de mexicano que parece una especie de Cisco Kid villanesco, interpretado por Earl Dwire, otro de los secundarios habituales de la serie en su cometido más relevante; así como unas localizaciones mejor seleccionadas de lo habitual, correctamente fotografiadas por Archie Scout, futuro cámara de John Ford.

Pero si hay algo que realmente es de elogiar son las escenas de acción, las largas cabalgadas que pueblan todo el metraje, totalmente físicas y sin doblez que no sea la pura realidad: cuando un caballo cae, el jinete (Canutt y en ocasiones el propio Wayne) se la pega de verdad y salía contusionado y sucio de morder el suelo, aun sabiendo que contaban con elementos de seguridad y sistemas de cables para dañarse lo mínimo tanto ellos como los animales, algo que habría que alabar, especialmente en estos tiempos donde lo que prima son estruendosas, mástodónticas y raramente complacientes pirotecnias generadas por ordenador.

FICHA TÉCNICA

Director: Robert N. Bradbury.

Producción: Paul Malvern, para Lone Star/Monogram.

Guión: Robert N. Bradbury.

Fotografía: Archie Stout.

Música: Sam Perry.

Montaje: Charles R. Hunt.

Sonido: Ralph Shugart.

Intérpretes: John Wayne (John Tobin), Sheila Terry (Ruby), George “Gabby” Hayes (Dusty), Earl Dwire (Pandro Zanti), Jack Rockwell (Sheriff Luke Williams), Yakima Canutt (Joe), Jay Wilsey (Secuaz), Gordon De Main (Delegado Miller), Lloyd Whitlock…

Nacionalidad y año: Estados Unidos, 1934.

Duración y datos técnicos: 52 minutos. 1.37:1. Blanco y negro.

El Arrecife de Donovan

2010-04-26T10:02:00.000+02:00

No contento con el poco tiempo que últimamente le dedico a este Territorio Ranown, un servidor se ha embarcado en una nueva aventura bloguera en la que trataré de abarcar otros géneros cinematográficos y otros puntuales vicios culturales que ocasionalmente se presenten.

Se trata de El Arrecife de Donovan, reducto para aquellos que puedan presumir de ser animales tabernarios, adeptos de licores varios de mala muerte, individuos solitarios de triste melancolía, bravucones de puños rápidos, filósofos de barra para temas trascendentalmente intrascendentes y cualquier otro miembro de esa fauna humana que pueblan estos reinos bañados por los sueños y anhelos artísticos de la mente humana.

Ya sabéis, si no tenéis por donde dejaros caer muertos, siempre seréis bien recibidos en EL ARRECIFE DE DONOVAN.

YO, GRAN CAZADOR (EAGLE'S WING, 1979)

2010-04-16T11:15:00.002+02:00

El western es uno de los géneros norteamericanos por excelencia, pues se centra en su historia, su cultura y sus costumbres. Sin embargo, otras cinematografías se han sentido atraídas por la lírica de la frontera, y ya en época del cine mudo los alemanes nos darían ejemplos de su visión del western. Famosa es, ante todo, la corriente que se creó en Italia durante los años sesenta, a la cual se sumaron otros países como España o Francia. En cuanto al Reino Unido, el más proclive en principio para llevarlo a efecto, dado que comparte idioma, ciertamente desde muy temprano se interesó por el género, interés que puede rastrearse hasta el mismo 1909, con A Friend In Need, de Lewin Fitzhamon. Sin embargo, pese a cierta cantidad de ejemplos mudos (muchos de los cuales sospecho que hoy están desaparecidos, si no todos), podríamos decir que el arranque sería The Frozen Limits (1939), de Marcel Varnel, con una aproximación humorística. Dejando a un lado la gran cantidad de aportaciones que el cine británico consagró sobre la conquista de Australia, con películas que ofrecen una gran similitud estilística con el western norteamericano, en los cincuenta tendremos nuevas visiones en clave de humor, entre ellas El sheriff y la rubia (The Sheriff of Fractured Jaw, 1958), uno de los films menos satisfactorios del gran Raoul Walsh, o el extraño western católico gay El demonio, la carne y el perdón (The Singer Not the Song, 1961), de Roy Ward Baker. Así pues, dejando a un lado todos estos precedentes, la mayoría limítrofes, podría decirse que el primer western, estrictamente hablando, sería Shalako (Shalako, 1968), dirigido por el norteamericano Edward Dmytryk a partir de una novela de uno de los autores más característicos del género, Louis L’Amour.

Durante la primera mitad de los setenta hay, hasta cierto punto, una eclosión, y en 1979 se nos presenta Yo, gran cazador (Eagle’s Wing), con un reparto encabezado por tres norteamericanos como son Martin Sheen, Sam Waterston y Harvey Keitel, y una francesa, Stéphane Audran, y dirigidos por el extraño Anthony Harvey, realizador inglés proveniente del campo del montaje, y cuya película más celebrada puede que sea el pastiche semi-sherlockiano El detective y la doctora (They Might Be Giants, 1971).

Yo, gran cazador es un western minimalista perjudicado por una música inadecuada (parece más propia de uno de los ejemplares que protagonizó John Wayne en los setenta) y una interpretación fuera de tono por parte de Sam Waterston, por completo increíble como indio que no pronuncia una sola palabra en toda la película. De hecho, hay escasos diálogos a lo largo de la misma, y la mayor parte son declamados en español (ignoro si en los países anglosajones el film se habrá proyectado con esos diálogos subtitulados). El guión es mínimo, y no busca una progresión habitual narrando algo concreto, sino que muestra a una serie de personajes que se van cruzando en sus caminos, y cómo el intento de supervivencia en un lugar inhóspito conduce sus acciones.

La puesta en escena de Harvey, amparada en intencionalidades artísticas, se centra en fotografiar la magnificencia del entorno, en especial en la secuencia en la cual Pike se topa con el caballo blanco, rodado en un espléndido atardecer rojo plagado de truenos en la lejanía. También procura aplicar al conjunto un tono documentalista, mostrando al hombre en la lucha contra el hombre, un tanto en el estilo de la muy superior Las aventuras de Jeremías Johnson (Jeremiah Johnson, 1972), de Sidney Pollack. El resultado se deja ver con cierta curiosidad, máxime para comprobar si al final todo es tan superficial como semeja al inicio, lo cual se confirma. Es uno de esos típicos westerns de la época en la cual el cine buscaba desesperadamente un rumbo utilizando toda clase de registros a base de dar palos de ciego para comprobar si sonaba la flauta por casualidad.

Carlos Díaz Maroto

FICHA TÉCNICA

Director: Anthony Harvey.

Producción: Ben Arbeid para Peter Shaw Productions.

Guión: John Briley, según argumento de Michael Syson.

Fotografía: Billy Williams.

Música: Marc Wilkinson.

Montaje: Lesley Walker.

Dirección artística: Agustín Ituarte.

Intérpretes: Martin Sheen (Pike), Sam Waterston (Toro Blanco), Harvey Keitel (Henry), Stéphane Audran (la viuda), John Castle (el sacerdote), Caroline Langrishe (Judith), Jorge Russek (Gonzalo), Manuel Ojeda (Miguel), Jorge Luke (Cielo Rojo), Pedro Damián (José), Claudio Brook (Sánchez), José Carlos Ruiz, Farnesio de Bernal, Cecilia Camacho, Enrique Lucero, Julio Lucena...

Nacionalidad y año: Reino Unido, 1979.

Duración y datos técnicos: 111 min. Eastmancolor. Panavision. 2.35:1.

CAÑONES PARA CÓRDOBA (CANNON FOR CORDOBA, 1970)

2010-04-07T01:15:00.002+02:00

Pongamos en una misma olla a un general/cacique mexicano que aprovecha la Revolución para sus propios intereses, un grupo de mercenarios/especialistas con misión de derrocarlo, aderecémoslo todo con las suficientes escenas de acción y agitémoslo con un ritmo más o menos llevadero, y tendremos la receta perfecta para Los siete magníficos (The Magnificent Seven, 1960) de John Sturges; o cualquiera de sus tres secuelas.

No es Cañones para Córdoba precisamente una secuela más de la saga que inauguró la película de Sturges basándose –¿cuántas veces se ha dicho ya?- en la famosa película de Kurosawa, aunque sí que encaja casi milimétricamente en el modelo, más si tenemos en cuenta que fue realizada por la misma compañía –The Mirisch Company-, un año después de la segunda secuela –La furia de los siete magníficos (Guns of the Magnificent Seven, 1969)- y por el mismo director –Paul Wendkos- e idénticas localizaciones españolas y compositor musical –Elmer Bernstein, en un trabajo discreto a tono con la película-.

Pocas novedades más se incluyen respecto al esquema a seguir, si acaso la presencia en el grupo de “magníficos” de un personaje femenino destinado, argumentalmente, a cubrir el punto débil del antagonista, su pasión por las mujeres; y comercialmente a explotar la imagen de la tan voluptuosa como anodina belleza europea de turno con aras a su posible internacionalización en el mercado de Hollywood.

Wendkos se aplica a ello con las prototípicas hechuras del encargado de estudio, solventando la papeleta de cubrir un guión automatizado con el ritmo suficiente para no aburrir al espectador y sin intentar aportar algo de fuerza a la trama, simplemente hilvanando secuencias de una forma casi matemática: escena de planteamiento narrativo, seguida de escena de desarrollo de personajes (escaso, ya que estos carecen de entidad alguna) y escena de acción para animar la cosa hasta la siguiente sucesión; además de una torpe escena final que intenta cerrar una de las subtramas y que bien podrían haber ahorrado. Quizá el único rasgo o marca personal que el director trata de dejar sean los habituales planos en contrapicado y con la cámara girada cierto ángulo, en ocasiones haciéndola girar sobre su eje en las escenas de acción para que quede inclinada en otra dirección.

Poco más por decir en cuanto a la película, ya que el reparto poco puede hacer con unos personajes esquemáticos definidos en dos líneas y media: Peppard casi parece componer un precedente de su popular Hannibal Smith de El equipo A, puro permanente en la boca incluído; a la Ralli ya la hemos mentado, actriz nula con la única misión de lucir su, eso sí, escultural cuerpo; el resto de integrantes de la misión es tan gris que poco vale la pena recordarlos. Sólo queda agradecer la presencia de secundarios de la talla de Vallone, Russell y Larch, limitándose a cumplir con lo poco que da la historia de sus personajes.

En definitiva, un western-exploit más que no aporta nada nuevo y apto solamente entre incondicionales como aperitivo entre obras de mayor enjundia, y del que simplemente cabe destacar gratamente la fotografía en Scope de Macasoli.

FICHA TÉCNICA

Director: Paul Wendkos.
Producción: Vincent M. Fennelly, para The Mirisch Corporation/United Artists.
Guión: Stephen Kandel.
Fotografía: Antonio Macasoli.
Música: Elmer Bernstein.
Montaje: Walter Hannemann.
Intérpretes: George Peppard (Capitán Rod Douglas), Giovanna Ralli (Leonora), Raf Vallone (General Córdoba), Pete Duel (Andy Rice), Don Gordon (Jackson Harkness), Nico Minardos (Peter), John Russell (General John Persing), John Larch (Warner), Gabriele Tinti (Antonio), Francine York, Lionel Murton, Hans Meyer, Takis Emmanuel, John Clark, Charles Stalmaker, Luis Barboo, Aldo Sambrell…
Nacionalidad y año: Estados Unidos. 1970.
Duración y datos técnicos: 104 minutos. Panavision. Color DeLuxe. 2.35:1.

SLAUGHTER TRAIL (1951)

2010-03-26T01:28:00.006+01:00

Dentro de su tipicidad según los cánones que rigen el western clásico, Slaughter Trail es una película sin duda insólita, probablemente la primera en la década de los 50 que usó canciones como motor narrativo de la acción, un año antes de que Solo ante el peligro (High Noon, 1952), de Fred Zinnemann; y Encubridora (Rancho Notorious, 1952), de Fritz Lang; popularizaran tal tendencia en el género.

Quizá debiéramos buscar la respuesta a esta cuestión en el accidentado proceso de producción de la cinta, ya que tras ser rodada por completo con el protagonismo de Howard da Silva y todavía durante el periodo previo a su distribución comercial, este último fue incluido en las listas negras del temido senador Joseph McCarthy por sus simpatías con el comunismo, despertando así las iras del también no menos temido magnate Howard Hughes, por aquella época dueño de la RKO, que ordenó que el film fuera rehecho sustituyendo finalmente a Silva por Brian Donlevy.

Estos hechos posiblemente expliquen parte del acabado final del film, dado que durante todo el metraje no directamente destinado al desarrollo dramático, la acción está invariablemente acompañada de las baladas interpretadas por Terry Gylkinson (que además cuenta con un papel secundario con varios momentos de lucimiento musical, una de ellas logró gran proyección: I Wish I Was…) que pretenden imprimir un ritmo trepidante a la acción que sucede en la sencilla trama del film: tres forajidos, tras asaltar una diligencia, asesinan a varios indios despertando las iras de estos últimos, que lógicamente se pondrán en pie de guerra, debiendo tomar partida el ejército en el conflicto.

Como ya hemos dicho, a pesar de la tipicidad y simpleza de la historia, mil veces vista, hecho no obsta para que podamos encontrar momentos de buen, caso de la sencillez con la que Irving Allen, habitual productor y anteriormente cortometrajista de prestigio, resuelve las escenas de cotidianidad entre el protagonista y su hija, la escena del baile (más motivos musicales) en el fuerte, con una resolución dramática efectiva y un par de planos llamativos: uno general de toda la escena con una apreciable profundidad de campo y un llamativo travelling circular en semipicado que sigue a Donlevy y Virginia Grey, además de unas solventes escenas de acción.

Slaughter Trail deviene así en una rareza westerniana por su singular rango distintivo musical, que si bien por momentos puede parecer machacón, penetra en nuestro cerebro con una facilidad pasmosa incitando a su tarareo durante el visionado del film. Todo esto, sumado a la presencia de dos actores de fuste como Donlevy, por fin protagonista total, y Andy Devine, en uno de sus sempiternos roles cómicos (la escena en que describe su participación en la batalla de Little Big Horn es descacharrante); hacen de este un western de curiosa experiencia para el aficionado.

FICHA TÉCNICA

Director: Irving Allen.

Producción: Irving Allen para RKO.

Guión: Sid Kuller.

Fotografía: Jack Greenhalgh.

Música: Darrell Calker.

Sonido: Ben Winkler.

Montaje: Fred Allen.

Intérpretes: Brian Donlevy (Capitán Dempster), Gig Young (Ike Vaughn), Virginia Grey (Lorabelle Larkin), Andy Devine (Sargento Macintosh), Robert Hutton (Teniente Morgan), Terry Gylkinson (Singalong), Lew Bedell (“Hardsaddle” Harry), Robin Fletcher (Nancy Dempster), Myron Healey, Emmett Lynn, Lois Hall…

Nacionalidad y año: Estados Unidos. 1951.

Duración y datos técnicos: 76 minutos. 1.37:1. Cinecolor.

Entrevista a Carlos Díaz Maroto.

2010-03-16T21:27:00.004+01:00

Con motivo de la reciente publicación de la obra enciclopédica Cine del Oeste - De la A a la Z (2010, Jaguar Ediciones), su autor, Carlos Díaz Maroto, ha accedido a concedernos una entrevista para este blog en el que él también suele colaborar, y que a continuación reproducimos:

Carlos, ¿cuál ha sido tu principal motivación para elaborar este libro sobre el western?

El proyecto viene de hace mucho tiempo, no sabría decirte si de hace doce años o más. Por aquel entonces, se emitían muchas películas clásicas por televisión, y en prensa solían aparecer reseñas de esas películas. En muchas ocasiones, cuando se emitía un western, el texto habitual solía ser: "Western convencional reservado a incondicionales del género", y nada más. Una vez veía determinadas películas, comprobaba que de convencional nada. Y me di cuenta de que había muy poca documentación sobre el tema. Hoy día la cosa, curiosamente, sigue más o menos igual. Tenemos unos cuantos libros, excelentes muchos de ellos, sobre el western, pero se suelen centrar en todos los grandes clásicos: Ford, Hawks, Leone, Eastwood... Hay montones y montones de series B entrañables, interesantes, atractivos, de los que se precisaba que hubiera información, y, por qué no, series Z, bodrios infumables, o simples curiosidades cinéfilas.

¿A qué crees que puede deberse ese desconocimiento profundo, o desinformación sobre el género, al que aludes?

No es algo exclusivo del western. Sobre el género fantástico, por ejemplo, también hay mucha desinformación, todo ello debido, creo, a muchos prejuicios e ideas preestablecidas. Un ejemplo de ello, y centrándonos en el cine del Oeste, estribaría en las películas de indios; mucha gente piensa que el primer western pro-indio fue Bailando con lobos, que es de 1990; no se da ese caso en la literatura de la temática, pero muchos estudiosos puede que pongan como inicio de ello Flecha rota, de 1950, cuando hay ejemplos de esa tendencia desde los tiempos del cine mudo. O también se tiene una idea muy estereotipada sobre la escasa variedad del género.

¿Tratas de dirigir la obra a un público aficionado y medianamente conocedor del western o a un público más generalizado?

Puede sonar un poco ambicioso, pero mi intención, no sólo en este libro, sino en todo lo que escribo, es intentar abarcar un espectro variado de lectores. Desde el neófito, que intenta introducirse por vez primera en algo, hasta el aficionado con algo de base, para el cual también procuro que la obra aporte algo. Que lo consiga o no eso ya lo ha de decidir el lector.

En el prefacio que precede a la obra en sí, refieres que una de las intenciones del libro es abrir posibles campos de estudio sobre autores u otros posibles aspectos que envuelven al western. ¿En qué sentido piensas que debieran ir dirigidas estas líneas?

Bueno, a mí me encanta el cine de John Ford, y pienso que ya hay muy buenos libros dedicados a él. Con ello no quiero decir que no deban hacerse más obras analizándolo, de hecho, creo que aún puede haber estudiosos que aporten visiones nuevas sobre él, esa es la virtud de los genios, que siempre pueden deparar nuevas vías de estudio. Sin embargo, en lo que refieres, mi deseo sería que se realizaran estudios sobre directores menos analizados, o nada analizados. Directores como Gerd Oswald, Joseph H. Lewis, Edwin L. Marin, o corrientes concretas, como el western de serie B en los años 50. Hay muchas vías de estudio que aún permanecen vírgenes.

Con respecto a la pregunta anterior, ¿piensas que un diccionario era una buena forma de levantar el vedado?

La mejor forma, sin duda, hubiese sido entrar directamente en materia, ponerme yo mismo a hacer eso que demando. Pero no se puede construir un edificio sin que exista una base. Hay que ir poco a poco, presentar una perspectiva amplia y, luego, a partir de ahí, ir explorando este detalle, y este otro... Si los editores ven que una temática tiene interés para los lectores, puede que se pongan a ello. La verdad es que en cuanto la editorial mandó a los distintos medios información sobre la publicación de este libro, hubo bastante interés general, lo cual podría ser señal de que el mercado español está abierto para más obras en esta onda.

¿Por qué incluir un anecdotario?

Es algo que a mí me resulta simpático, incluso interesante. Es información adicional con respecto a lo ya dicho, datos sueltos que complementan el análisis. A veces son referencias cruzadas de otras películas de igual personaje, actor, director o tema. O premios recibidos, O detalles como actores inicialmente previstos para un papel que no consiguieron o rechazaron. Creo que es puede ser interesante para el lector; para mí lo es.

Lógicamente, para una obra de este tipo, se debe tener un conocimiento bastante amplio del género aun siendo este inabordable en su totalidad, ¿en qué medida te has basado, cuantitativamente hablando?

Como tú dices, en género en su totalidad es inabarcable. En una entrevista me preguntaron si en el libro estaban todos los westerns que existen, y yo comenté que ni de lejos. Cuantitativamente hablando no tengo ni idea. Ten en cuenta que llevo desde mi infancia viendo westerns, revisándolos al cabo de los años, volviéndolos a ver para el libro...

Como queda evidenciado durante todo el libro y también has comentado antes, sientes especial interés por las producciones de presupuesto medio y series b de los 40-50, ¿alguna recomendación especial para los lectores?

Sería empezar y no acabar. Por tanto, sólo recomendaré un título: The Halliday Brand (1957), de Joseph H. Lewis.

¿Alguna joya que hayas descubierto recientemente y te hubiera gustado incluir?

Desde que acabé el libro apenas he tocado el género, pues me he volcado activamente en escribir uno nuevo, que esta misma semana entrego. O estaba centrado en este, o me veía otras cosas para "desintoxicar"...

¿Algún guilty pleasure?

Pues creo que no... No me suena ninguna película que me haga pensar: "Espero que este, que es tan elitista, no sepa que me gusta. Qué vergüenza"... No, creo que las películas que me gustan son, digamos, muy tópicas...

¿Algún mito a derribar?

Dos hombres y un destino y, en general, determinados westerns revisionistas de los 60 y 70... Creo que por esa época el cine en su globalidad, no sólo el western, andaba un tanto despistado, y buscaba nuevas vías expresivas, tanteando en muchos estilos y dando palos de ciego. Incluso un director de la solidez de Arthur Penn hizo un horror como Missouri...

Para finalizar, ¿podemos ver abierta una puerta a una futura continuación o un estudio sobre alguno de los temas que creías merecedores de más crédito?

No estoy cerrado a ello. Si los editores me dicen que el libro se ha vendido lo suficiente y les interesa, estoy dispuesto a preparar una segunda edición ampliada, o un volumen dos, no sé, es ya se vería... Y algo que siempre me ha apetecido sobre el western sería preparar una libro, no escrito por mí, sino coordinador, y encargando a una serie de escritores ciertos temas: uno se encargaría de la Trilogía de la Caballería de John Ford, otro sobre los westerns de Anthony Mann con James Stewart, otra en el ciclo Ranown, otro con, por ejemplo, "Fritz Lang y el western"... Si a un editor le apetece empiezo a buscar autores...

Muchas gracias por tu tiempo, Carlos.

CARA A LA MUERTE (SMOKE SIGNAL, 1955)

2010-03-09T23:06:00.006+01:00

Durante la década de 1950 la Universal International Pictures produjo una gran cantidad de películas del oeste de serie B (y otras muchas de serie A, como el estupendo ciclo dirigido por Anthony Mann) que ofrecían un nivel medio bastante digno, por lo general, y que siempre resultan gratas de ver. Eran películas frescas, dinámicas, con una hermosa fotografía en Technicolor y repartos solventes.

Cara a la muerte (Smoke Signal, 1955) está dirigida por Jerry Hopper (1907-1988), un director algo gris que se inició en el campo del largometraje de ficción con el thriller El FBI entra en acción (The Atomic City, 1952), si bien es conocido en especial por una serie de películas que rodó para la Paramount con destino a servir de lanzamiento a una joven estrella llamada Charlton Heston, con títulos como El triunfo de Buffalo Bill (Pony Express, 1953), El secreto de los incas (Secret of the Incas, 1954) –a la cual debe mucho la creación de Indiana Jones- y La guerra privada del mayor Benson (The Private War of Major Benson, 1955), esta ya para Universal, empresa para la cual comenzó a trabajar, y cuya labor alternaría a partir de entonces con encargos para televisión.

La presente película es la mejor de las que he visto dirigidas por él. Parte de un guión muy solvente por parte de George W. George y George F. Slavin; ambos fueron especialistas en el género que trabajaron juntos, y entre sus muchos guiones destaca el de la magnífica The Halliday Brand (1957), de Joseph H. Lewis. Aquí, como era habitual en este tipo de cine, presentan a un personaje que parece ser el único en considerar a los indios como seres humanos; de forma paulatina, mientras se realiza el viaje a través del río, los otros personajes irán conociéndole a fondo y entendiendo sus motivaciones, dejando a un lado sus prejuicios, al considerarle un mero “amigo de los indios”, por medio de una interactuación muy interesante entre ellos. Por supuesto, entre el grupo está una muchacha, prometida de un teniente que odia en especial a Brett Halliday, y la chica irá desencantándose de uno al tiempo que se va enamorando del otro. Arquetípico, quizás, pero todo bien conducido, con buenos diálogos y personajes descritos con concisión y de un modo directo y hábil.

La producción corre a cargo de Howard Christie, habitual de la Universal, que para esta produjo algunas comedias de Abbott y Costello, así como una estupenda cinta de ciencia ficción, The Monolith Monsters (1957), de John Sherwood, pero sobre todo infinidad de westerns, todos de serie B, muchos de ellos diestros y honestos.

Jerry Hopper dirige todo de una manera funcional, sirviéndose de la espléndida fotografía que retrata de modo prodigioso los paisajes del Gran Cañón, y apoyándose en el referido guión, que un reparto más que capacitado saca adelante con facilidad; Dana Andrews hace gala de su solidez habitual, Piper Laurie demuestra que era algo más que una cara bonita, y junto a ellos tenemos un lote de estupendos secundarios que interpretan con la misma facilidad que comen, Milburn Stone o Robert Wilke, por poner un ejemplo de esos rostros tan familiares que muchos no identificarán por sus nombres, pero que inundan gran cantidad de sencillas películas de evasión que nunca gozarán de los favores críticos, pero cuyo visionado supone un enorme placer.

Carlos Díaz Maroto

FICHA TÉCNICA

Dirección: Jerry Hopper.

Productor: Howard Christie para Universal International Pictures.

Guión: George W. George, George F. Slavin.

Fotografía: Clifford Stine.

Música: Irving Gertz, William Lava, Henry Mancini.

Montaje: Milton Carruth.

Dirección artística: Alexander Golitzen, Richard H. Riedel.

Intérpretes: Dana Andrews (Brett Halliday), Piper Laurie (Laura Evans), Rex Reason (teniente Wayne Ford), William Talman (capitán Harper), Milburn Stone (sargento Miles), Douglas Spencer (Garode), Gordon Jones (cabo Rogers), William Schallert, Robert J. Wilke, William Phipps, Pat Hogan, Peter Coe, Lee Bradley...

Nacionalidad y año: Estados Unidos 1955.

Duración y datos técnicos: 88 min. Technicolor 1.37:1.

SOLDADOS BÚFALO (BUFFALO SOLDIERS, 1997) [TV]

2010-03-01T10:38:00.002+01:00

Aunque tradicionalmente el western cinematográfico ha sido un género donde han monopolizado el protagonismo personajes de raza blanca, indígenas y mexicanos de rasgos latinos, la raza negra también ha tenido cierta representación a lo largo de la larga historia del género. Ya en las prolíficas producciones de serie b de los años 30 vio la luz una exitosa película entre esta comunidad, Harlem on the Prairie (1937) de Sam Newfield y Jed Buell (1), que hizo que tuviera una continuación poco después. Años después, ya en las postrimerías de los 60 empezaron a abundar los personajes de color en el género coincidiendo con la explosión de la blaxploitation, el movimiento cinematográfico dirigido expresamente a esta parte de la sociedad norteamericana.

Sin embargo, la obra maestra del western afroamericano es sin duda alguna El sargento negro (Sergeant Rutledge, 1960) de John Ford, donde el gran maestro del western introducía un duro discurso sobre el racismo con motivo de un juicio de guerra a un soldado de color por presunta violación de una muchacha blanca. Así, Ford introducía casi por primera vez en el género la inexplorada historia de aquellos negros que se enrolaron en Caballería para combatir al enemigo indio tras la Guerra de Secesión.

El telefilm de Charles Haid que aquí tratamos sigue el camino emprendido por Ford para narrar la crónica de un pelotón de Soldados Búfalo (nombre con el que les conocían los apaches), incidiendo de nuevo en las tensas relaciones raciales entre los mandos blancos y la tropa negra. Los primeros, muchos de ellos antiguos sudistas recelosos de la nueva condición de sus subordinados, no dudarán en impedir y trabar por todos los medios a estos, que por su parte ven en el ejército una posibilidad de realización colectiva desde la cual lograr el respeto de la resabiada sociedad blanca.

Varios apuntes diseminados por todo el metraje refuerzan esta idea: el ambivalente personaje del general que rige el fuerte, tan reacio a aceptar a la tropa negra como de confiar casi ciegamente en un explorador mestizo de negro y semínola, y capaz de asesinar fríamente a un cautivo apache porque sus cánticos le impiden conciliar el sueño; la charla que mantienen el sargento protagonista (Danny Glover) y el jefe Victorio, una vez capturado este último y en la que le hace ver las analogías existentes en el trato que han dado los blancos a ambos pueblos; o ese pueblo situado a las afueras del fuerte ante el cual ha de desmontar la tropa negra cada vez que lo atraviesa y que no logrará cambiar dicha situación de no ser por propia voluntad, una vez que el orgullo de ser igual y de saberse respetado por haber cumplido el cometido.

Mucho se ha catalogado durante años despectivamente a aquellos productos de ficción de origen televisivo, principalmente por buena parte de la ingente cantidad de productos gratuitos sin un mínimo de inventiva que abundaron en las décadas de los 70 y 80, pero parece que poco a poco tales prejuicios se van superando ante lo que ya se ha llamado la segunda época de oro de la ficción televisiva estadounidense, y este no es un caso menos. Producida por la TNT del magnate Ted Turner, quizá una de las compañías más serias del panorama del telefilm americano, nos encontramos ante un producto cuidado tanto en su guión como en la realización de Haid (un plano revelador, aquel al principio que nos muestra al sargento de espaldas y descubrimos el color de su piel al guardar los prismáticos que usaba), que muestra un uso de la violencia casi tan seco y distante como el de La venganza de Ulzana (Ulzana´s Raid, 1972) de Robert Aldich; así como en las interpretaciones del veterano Bob Gunton, como oficial comprometido, y del ya mencionado Danny Glover, también productor ejecutivo, muy seguramente uno de los principales valedores e instigadores del proyecto.

(1) Responsables de otra curiosa rareza The Terror of Tiny Town (1938) protagonizada exclusivamente por enanos.

FICHA TÉCNICA

Director: Charles Haid.
Producción: Gordon Wolf para TNT.
Guión: Frank Military y Susan Rhinehart, según argumento del Military y Jonathan Klein.
Fotografía: William Wages.
Música: Joel McNeely.
Montaje: Andrew Doerfer.
Intérpretes: Danny Glover (Sargento Washington Wyatt), Bob Gunton (Coronel Grierson), Carl Lumbly (John Horse), Glynn Turman (Sargento “Joju” Ruth), Mykelti Williamson (Cabo William Christy), Lamont Bentley (Cabo Sea), Tom Bower (General Pike), Timothy Busfield (Mayor Robert Carr), Robert Knott (Capitán Draper), Chesley Wilson (Nana), Harrison Lowe (Victorio)…
Nacionalidad y año: Estados Unidos, 1997.
Duración y datos técnicos: 120 min. 1.33:1. Color.

BUFFALO BILL Y LOS INDIOS (BUFFALO BILL AND THE INDIANS, OR SITTING BULL´S HISTORY LESSON; 1976)

2010-02-10T00:55:00.004+01:00

Varios fueron los westerns que a mediados de la década de los 70 intentaron dar una visión desmitificadora y revisionista de la historia del género a través de caminos que se acercaban a la burla y la farsa, cuando no daban de lleno en ella, y que por lo general era el principal punto por el que sus propuestas se malograban, caso de las demagógicas Soldado azul (Soldier Blue, 1970) de Ralph Nelson y Pequeño Gran Hombre (Little Big Man, 1970) de Arthur Penn. Quizá uno de los pocos exponentes, si no el único que logró aportar algo transitando en parte estos caminos sea El juez de la horca (The Life and Times of Judge Roy Bean, 1972) de John Huston, aun cuando no se encuentra entre lo más fructifero de su director.

Por otro lado, el film que ahora nos ocupa, también resulta un film fallido. A pesar de ser una historia coral muy del gusto del director, Robert Altman, en este caso sobre de la compañía circense creada por el Buffalo Bill (Paul Newman) para llevar el mito del Far West por todo el mundo, el film adolece en exceso del origen teatral del texto que parte y del que nunca se despega, pudiendo percibirse sin demasiada dificultad los distintos actos que formaban la obra.

Esto, en principio, no debiera ser un gran problema que no se pudiese solventar con una dirección potente y un guión que exprima bien sus ideas, pero en esta ocasión Altman no parecía demasiado inspirado para sacar partido de un guión que hace aguas por todos lados sin conseguir hilvanar una línea argumental que donde ni la ocasional voz en off de Ned Buntline (Burt Lancaster) logra dar coherencia a los sucesivos episodios prolijamente dialogados que componen el film y que no llevan a ninguna parte.

Tan solo tres momentos, ya avanzada la película, resultan logrados y aportan algo sobre lo que pudo llegar a ser: el primero, la primera aparición escénica de Sitting Bull, donde los abucheos que vaticinaba todo el mundo, especialmente el propio Buffalo Bill, dan paso al silencio y seguidamente a una sonora ovación al detenerse estoicamente el jefe indio; el segundo sería la cena otorgada al Presidente de los Estados Unidos en la que, otra vez, Sitting Bull interroga a aquél logrando ser expulsado y evidenciando la demagogia y raterismo de una clase política ignorante. El tercero y último, ya en los últimos minutos, es la conversación que mantienen Cody y Buntline antes de la partida de este último, en la que este revela que todo el mito no deja de ser una creación literaria suya (el creador de leyendas se le acredita al principio) de la que el otro no es más que un esclavo.

Poco elogio más tiene esta fallida película de Robert Altman, que desaprovecha un reparto excelente, por lo general y salvo excepciones muy perdido, con unos personajes que poco sustento pueden agarrar cuando no son totalmente anodinos y prescindibles, caso del interpretado por un juvenil Harvey Keitel. Altman se escudó en su día, no recogiendo el inmerecido Oso de Oro del festival de Berlín que le fue otorgado, en que el montaje final no fue de su agrado ya que Dino de Laurentiis, productor ejecutivo -ese mismo 1976 también estuvo implicado en otro western más productivo: El último pistolero (The Shootist, 1976) de Don Siegel-, se inmiscuyó rehaciéndolo a su gusto. Visto lo visto no parece que hubiera podido salvarse gran cosa con otro montaje, según creía Altman.

Jose Mª Miralles Aznar

FICHA TÉCNICA

Director: Robert Altman.

Producción: Robert Altman.

Guión: Alan Rudolph y Robert Altman, según una obra teatral de Arthur Kopit.

Fotografía: Paul Lohmann.

Música: Richard Baskin.

Sonido: Chris McLaughlin.

Montaje: Peter Appleton, Dennis Hill.

Intérpretes: Paul Newman (Buffalo Bill Cody), Joel Grey (Nate Salesbury), Kevin McCarthy (John Burke), Burt Lancaster (Ned Buntline), Harvey Keitel (Ed Goodman), Allan Nichols (Prentiss Ingraham), Geraldine Chaplin (Annie Oakley), John Considine (Frank Butler), Will Sampson (William Halsey), Frank Kaquitts (Sitting Bull), Denver Pyle (McLaughlin)…

Nacionalidad y año: Estados Unidos. 1976.

Duración y datos técnicos: 123 minutos. Panavision. Color Deluxe. 2.35:1.

Cine del Oeste - De la A a la Z

2010-02-01T14:57:00.002+01:00

En unas breves semanas estará a la venta en toda España el libro Cine del Oeste – De la A a la Z, escrito por Carlos Díaz Maroto, habitual colaborador de Territorio Ranown. 496 páginas en formato 23 x 16,5 cm, donde se glosa de forma enciclopédica una gran cantidad de películas del Oeste de toda índole: desde el cine mudo hasta las más recientes muestras, los clásicos de oro de directores como John Ford, Howard Hawks o Anthony Mann, pasando por la serie B, C ó Z, versiones eróticas o porno, hasta el spaghetti-western, algunas muestras que ha aportado el cine español, u otras cinematografías como la alemana, la autraliana o la rusa.

Análisis, información y curiosidades, todo ello profusamente ilustrado, publicado por Ediciones Jaguar.

El western según Tomás Fernández Valentí.

2010-01-25T21:35:00.002+01:00

Recientemente, el reputado crítico cinematográfico Tomás Fernández Valentí ha anunciado en su blog personal una serie de reseñas de muchos grandes clásicos del género para la web www.cinearchivo.com. Las reseñas provienen de un proyecto de libro sobre el género que Valentí tenía pensado publicar pero ha debido abortar por no encontrar respaldo editorial. Una ocasión perdida que esperemos que pueda llegar a prosperar en un futuro no demasiado lejano.

Dejo un enlace a la entrada del blog de Tomás donde anuncia esta interesante y muy atrayente serie de reseñas:

http://elcineseguntfv.blogspot.com/2010/01/antologias-del-western-en-cine-archivo.html

CARAVANA DEL OESTE (ESCORT WEST, 1958)

2010-01-22T00:35:00.004+01:00

Caravana al Oeste (Escort West, 1958) es la típica serie B de la época, sencilla, eficaz, breve y directa. Producida por John Wayne para su compañía Batjac (pese a que en los créditos no figure), la película se ve agraciada por una espléndida fotografía en blanco y negro y formato Cinemascope por parte del mítico William H. Clothier, una grata y efectiva partitura musical del poco conocido Henry Vars y un plantel de magníficos secundarios. Protagoniza el poco valorado Victor Mature, actor perjudicado por un gesto adusto, pero que resultaba efectivo en films de este tipo.

En todo caso, resalta en especial un guión seco y franco por parte Leo Gordon y Fred Hartsook. El primero apareció como villano en films tan efectivos como Fiebre de venganza, Todos los hermanos eran valientes, Hondo, Revuelta en el bloque 11, Atila, rey de los hunos, Diez forajidos, El jugador, Con sus mismas armas..., y trabajó ampliamente en televisión. El segundo, por el contrario, sólo tiene acreditada en esa labor la presente cinta. El trabajo de ambos parte de un argumento esbozado por Steve Hayes, a quien también se acredita ese cometido en el filme de ciencia ficción Los pasajeros del tiempo (Time After Time, 1979), aunque sospechamos que se trata de personas diferentes.

Es sorprendente cómo una producción menor como la presente entrega un guión tan eficaz. Los personajes principales son esbozados de una forma rápida, como en los buenos films de género se les conoce por sus acciones, y se ofrece un perfil de roles variado e interesante. Resalta en especial el personaje de Faith Domergue, una mujer amargada sobrecargada por sus prejuicios, así como el del hombre de color al que da vida Rex Ingram, uno de los personajes negros, posiblemente, más desarrollados en el cine norteamericano hasta ese momento, y elaborado con una integridad encomiable. Es digno de señalar, de igual modo, que los indios no son “malos” por ser indios, sino por su condición delictiva, siendo repudiados de igual modo por su propia raza. La película, en ese sentido, ofrece unos tipos muy bien perfilados. Pero además, la narración avanza directa y sin florituras, encadenando sucesos desarrollándolos con precisión, sin buscar complicaciones innecesarias.

Francis D. Lyon, realizador gris e impersonal, que realizó filmes y series de toda índole, tras debutar como montador, dirige la presente sin destacar de un modo especial, pero aportando una narración clara y límpida, con correcta funcionalidad, desvelándose como un artesano efectivo para películas de género como la presente, producidas con el único fin de entretener de una forma noble y decente.

Carlos Díaz Maroto

FICHA TÉCNICA

Dirección: Francis D. Lyon.
Productores: Nate H. Edwards, Robert E. Morrison, John Wayne para Batjac Prod., Romina Prod., United Artist.
Guión: Leo Gordon, Fred Hartsook, según una historia de Steve Hayes.
Fotografía: William H. Clothier.
Música: Henry Vars.
Montaje: Otto Ludwig.
Dirección artística: Alfred Ybarra.
Intérpretes: Victor Mature (Ben Lassiter), Elaine Stewart (Beth Drury), Faith Domergue (Martha Drury), Reba Waters (Abbey Lassiter), Noah Beery Jr. (Teniente Jamison), Leo Gordon (Soldado Vogel), Rex Ingram (Nelson Walker), John Hubbard (Teniente Weeks), Harry Carey Jr. (Soldado Travis), Slim Pickens (Cabo Wheeler), Roy Barcroft (Sargento Doyle), William Ching, Ken Curtis, Claire Du Brey, Syd Saylor, X. Brands, Chuck Hayward, Charles Soldani... Nacionalidad y año: Estados Unidos 1958.
Duración y datos técnicos: 75 min. B/N 2.35:1.

A DAY OF FURY (1956)

2010-01-07T01:24:00.006+01:00

A la sombra de todos los grandes títulos que conforman la larga historia del western existe una multitud de films que sin prácticamente hacer ruido y siendo generalmente poco conocidos y difundidos, ofrecen una efectividad y un atractivo del que a priori carecían antes de verlos, revelándose como gratas sorpresas para el espectador que sepa captar sus puntos de interés. A Day of Fury es uno de ellos.

Bien podría inscribirse dentro del grupo de westerns de mediados de los 50 que, como consecuencia de la inquietud social derivada del macarthysmo, efectuaron visiones que reflejaban la crispación de aquellos momentos en la acomodada sociedad norteamericana. En esta ocasión, un pistolero, Jagade, arriba a una ciudad en teoría modélica y en pocas horas trastoca los cimientos sobre los que se ha construido, revelando la hipocresía y naturaleza de los habitantes respetables de la ciudad.

Así, con la sola presencia del atractivo

personaje que encarna Dale Robertson, pronto consigue poner a prueba a casi todo el mundo: el juez local (Carl Benton Reid) se convertirá en un hombre extremista y tremendamente parcial; el párroco, siempre eficaz John Dehner, se verá tentado al uso de la violencia y la iglesia casi se convertirá en un improvisado tribunal; la maestra de la escuela ofrecerá su ayuda al recién llegado en una sutil alusión a su represión sexual…

Todos estos acontecimientos concurrirán en cargar su peso sobre los personajes del marshal (Jock Mahoney), el único que no ve alterada su conducta y con capacidad para acabar, no ya por las armas, sino moralmente con el reinado de psicosis que ha instaurado con aparente facilidad su contendiente; y sobre su prometida (Mara Corday), que verá imposibilitadas sus opciones de reinserción dentro del círculo de “gente decente”, pues en un pasado había sido chica de salón y amante de Jagade.

Harmon Jones logró con este uno de sus mejores westerns, quizá junto a City of Bad Men (1953) y por encima del más conocido y soso La mujer del látigo (Bullwhip, 1958) sirviéndose de una correcta puesta en escena que no desaprovecha las posibilidades del guión firmado por James Edmiston y Oscar Brodney, dando lugar a uno de esos productos que, seguramente por motivos de mala distribución, pasan desapercibidos esperando que alguien ocasionalmente les quite el polvo acumulado y descubra sus buenas hechuras.

FICHA TÉCNICA

Director: Harmon Jones.

Producción: Robert Arthur, para Universal.

Guión: James Edmiston, Oscar Brodney, según historia del primero.

Fotografía: Ellis W. Carter.

Música: Joseph Gershenson.

Sonido: Leslie I. Carey, Stephen Bass.

Montaje: Sherman Todd.

Intérpretes: Dale Robertson (Jagade), Jock Mahoney (Marshal Allan Burnett), Mara Corday (Sharman Fulton), Carl Benton Reid (Juez John J. McLean), Jan Merlin (Billy Brand), John Dehner (Predicador Mason), Dee Carroll (Señora Timmons), Sheila Bromley (Marie), James Bell (Doc Logan), Dani Crayne (Claire), Howard Wendell (Vanryzin), Charles Cane (Duggen), Phil Chambers (Burson), Sydney Mason (Beemans), Helen Kleeb (Sra. McLean), Malcolm Atterbury, Henry Wills…

Nacionalidad y año: Estados Unidos. 1956.

Duración y datos técnicos: 74 minutos. Technicolor 1.37:1.

FELICES FIESTAS

2009-12-22T13:28:00.001+01:00

Desde Territorio Ranown os deseamos a todos los seguidores del blog felices fiestas navideñas, que esperemos que vengan cargadas de alegríasy nuevas ilusiones, abundantes comidas y sobretodo mucho western.

UNA GRAN SEÑORA (THE GREAT MAN´S LADY, 1942)

2009-12-17T11:14:00.005+01:00

Una gran señora (The Great Man’s Lady, 1942) es una típica película de la época “para mujeres”. Es decir, protagoniza una mujer aguerrida y fuerte, que contra viento y marea sale más o menos adelante, siempre, por supuesto, a la sombra de un hombre, que era quien realmente hacía las cosas en aquel entonces. El propio título original lo desvela: “La dama del gran hombre”. También, como muchas películas de la época, mientras el argumento cuenta una cosa, por motivos del férreo control de la censura, la puesta en escena enfatiza otra perspectiva. No en vano su director es uno de los más grandes que ha dado el cine de Hollywood, William A. Wellman.

En efecto, podría decirse que esta película, también producida por Wellman, y que rodó entre dos cintas muy poco conocidas, la comedia dramática Roxie Hart (1942), protagonizada por Ginger Rogers, y el drama bélico Thunder Birds (1942), con Gene Tierney, falsea la perspectiva que parece indicar su planteamiento y subvierte sus postulados: el “gran hombre” no es tal, y su cabezonería y ambición le hace perder a la mujer que ama. Incluso, en un momento dado, no dudará en matar, o creer que lo ha hecho, al hombre que le comunica la presunta muerte de su mujer, y de quien sospecha mantuvo una relación con él, motivo por el cual la abandonó.

Otro “gran hombre” en la vida de Hannah, su mismo padre, tampoco sale muy bien parado en el film. Al principio la quiere casar con un gordo petimetre de buena posición, por lo cual ella escapa del hogar; mucho más tarde, cuando todo el mundo la da por muerta, aparece en su vida y la ruega que siga muerta por intereses políticos.

En medio de todo ello, el único hombre “honesto” es un jugador fullero y tramposo, que, enamorado de ella, se consagrará a la mujer que ama aún sabiendo que nada puede conseguir. Y la propia Hannah sufrirá y finalmente se sacrificará, observando entre la multitud a su “gran hombre” lograr sus objetivos, en un plano que rememora el de otra gran película de Barbara Stanwyck, Stella Dallas (Stella Dallas, 1937), de King Vidor.

Todo ello es narrado en formato de melodrama, con una gran parte del metraje inserto en los modos de cine del Oeste. Curiosamente, Wellman otorga a las imágenes un poso tenebrista, a tal punto que gran parte del metraje está rodado de noche, o bajo cielos tormentosos (con una escena clave en medio de una tempestad que provoca una riada), tal como haría con otro gran western, The Ox-Bow Incident (1943); la escena en la cual Ethan Hoyt abandona a Hannah está rodada por medio de siluetas en la penumbra, sin distinguirse los rostros de los intérpretes. Ese y otros planos evidencian la intención de rodar una película “artística”; sin embargo, por debajo de la belleza trágica de las imágenes, el film respira autenticidad y emoción.

Gran parte del mérito del film, aparte desde luego de la medida puesta en escena de Wellman, es su sólido reparto. Stanwyck está sencillamente extraordinaria, tanto cuando interpreta a una poco probable adolescente de cabeza loca como cuando encarna a una anciana de 107 años, encorvada y temblequeante. Joel McCrea es un sólido intérprete de westerns y comedias, que aquí da perfectamente el tipo; y el siempre taciturno Brian Donlevy encarna aquí un personaje muy en su línea, pero tamizado por la veneración que dispensa a su gran mujer: la mirada que le lanza a Hannah cuando la descubre vive es de lo más estremecedora.

Por último, resulta muy curioso que la película parezca adscribirse en la corriente del cine norteamericano de exaltar el país por medio del retrato de un gran pionero que ayudó a forjar el país, para finalmente reflejarlo del modo en que lo hace, y hacer patente que quien en verdad lo erigió todo quedará en el anonimato por culpa de la mezquindad humana. Un film de hace más de sesenta años se muestra más moderno, en forma y fondo, que muchas de las grandes películas de ahora.

Carlos Díaz Maroto

FICHA TÉCNICA

Dirección: William A. Wellman.

Productor: William A. Wellman para Paramount Pictures.

Guión: W. L. River, según un argumento de Adela Rogers St. Johns y Seena Owen, basado en el relato “The Human Side” de Viña Delmar.

Fotografía: William C. Mellor.

Música: Victor Young.

Montaje: Thomas Scott.

Efectos especiales: Robert Ewing, Wally Westmore (maquillaje).

Intérpretes: Barbara Stanwyck (Hannah Sempler), Joel McCrea (Ethan Hoyt), Brian Donlevy (Steely Edwards), K. T. Stevens (biógrafa), Thurston Hall (Mr. Sempler), Lloyd Corrigan (Mr. Cadwallader), Etta McDaniel (Delilah), Frank M. Thomas (Mr. Frisbee), William B. Davidson (senador Knobs), Lillian Yarbo, Helen Lynd, Mary Treen, Lucien Littlefield, John Hamilton, Fred 'Snowflake' Toones, Monte Blue, George Chandler, George Irving, Irving Bacon...

Nacionalidad y año: Estados Unidos 1942.

Duración y datos técnicos: 90 min. B/N 1.37:1.

CONQUEST OF COCHISE (1953)

2009-12-03T12:00:00.003+01:00

Aunque William Castle adquirió una relativa fama como director de varias cintas de terror en la década de los 60, para las que ingenió varias ideas (electrificar butacas, globos con formas fantasmales que sobrevolaban la sala.., etc.) con el fin de impactar al público, en la década anterior se dedicó con cierta asiduidad al western, normalmente para la Columbia con producción de Sam Katzman. En total rodó 9 títulos para el género más uno tangencial, El americano (The Americano, 1955), reemplazando a Budd Boetticher y seguramente el mejor.

Conquest of Cochise es el cuarto de los westerns de William Castle y de él se puede decir cosas análogas que de buena parte del resto que dirigió: que tienen una falta de estilo y personalidad acuciante, con una puesta en escena que por lo general simplemente se limita a contemplar lo que sucede delante de la cámara con un relieve prácticamente mínimo o nulo. Con bastante seguridad, Castle no debía sentir especial interés por el género.

En el caso de Conquest of Cochise nos encontramos con una prototípica historia que conjuga a cuatro culturas distintas en el marco de los territorios recién comprados por los Estados Unidos a México, por lo que nos encontramos con un escenario en que conviven, o mejor dicho, van chocando, hacendados mexicanos, incursivos apaches y comanches y los nuevos colonos y el ejército americano; centrándose especialmente en la figura del célebre jefe apache Cochise (John Hodiak, intérprete habitual de pieles rojas) y el oficial de caballería (Robert Stack) con el que repetidamente habrá de negociar en diversas ocasiones los términos de paz ante los sucesivos vaivenes producidos por el odio e intereses entre miembros de las diferentes culturas.

Lógicamente, acorde con la tendencia proindia de la época, se resalta por encima de cualquier otra cosa la nobleza y sabiduría del jefe indio que pretende la paz para su pueblo en vez de una guerra estéril que promulga el resto de guerreros de su tribu, lo que le lleva a enemistarse con los comanches por mantener su palabra con el ejército y siendo los principales momentos de interés de la cinta aquellos en que la protagonista femenina es raptada y comprueba, con leves síntomas de síndrome de Estocolmo, las formas de vida y costumbres de un pueblo tan desconocido como injustamente odiado por la inopia.

Poco más que destacar de este aséptico western de serie b, quizá solamente la vistosa fotografía con unos colores muy vivos poco habituales del género (amarillos, naranjas, morados), puesto que ni en momentos en los que Castle podría haber impreso algo más de viveza, caso del clímax con las tres torturas consecutivas, la película adquiere brío más allá de la monotonía.

FICHA TÉCNICA

Director: William Castle.
Producción: Sam Katzman para Columbia.
Guión: Arthur Lewis, DeVallon Scott; según historia del segundo.
Fotografía: Henry Freulich.
Música: Mischa Bakaleinikoff.
Sonido: Josh Westmoreland.
Montaje: Al Clark.
Intérpretes: John Hodiak (Cochise), Robert Stack (Mayor Tom Burke), Joy Page (Cnsuelo de Córdoba), Rico Alaniz (Felipe), Fortunio Bonanova (Ministro mexicano), Edward Colmans (Don Francisco de Córdoba), Álex Montoya (José Antonio Felicísimo de la Vega y García), Steven Ritch (Tukiwah), Carol Thurston (Terua), Rodd Redwing (Red Knife), Robert E. Griffin (Sam Maddock), Poppy del Vando (Señora de Córdoba), John Crawford (Capitán Bill Lawson), Charles Stevens…
Nacionalidad y año: Estados Unidos. 1953.
Duración y datos técnicos: 68 minutos. 1.37:1. Technicolor.

PIRATAS DE MONTERREY (PIRATES OF MONTEREY, 1947)

2009-11-17T10:14:00.006+01:00

Alfred L. Werker (1896-1975) fue un efectivo realizador de serie B de los muchos que existieron en Hollywood durante su edad dorada, uno de tantos hoy día por completo olvidados o ignorados, pero que en diversas ocasiones dio muestras de un saber hacer digno de ser resaltado. Se había iniciado como ayudante de dirección en 1917, labor en la cual trabajó en nueve películas –como la famosa Pollyanna (1920), de Paul Powell, con Mary Pickford en el papel principal- hasta saltar a la dirección con el western Ridin’ the Wind (1925), co-dirigido con Del Andrews. Así, durante su carrera realizaría cerca de una cincuentena de títulos, entre los que cabe resaltar principalmente Sherlock Holmes contra Moriarty (The Adventures of Sherlock Holmes, 1939), segunda y sólida aportación al ciclo que protagonizó Basil Rathbone, El susto (Shock, 1946), una cinta de suspense con ribetes terroríficos protagonizada por Vincent Price, Orden: caza sin cuartel (He Walked by Night, 1948), una magistral y atmosférica muestra de cine negro, premiada en el Festival de Locarno, y cuyos méritos suelen ser adjudicados a Anthony Mann, que dirigió algunas escenas sin acreditar, o una serie de pequeños pero vibrantes westerns al final de su carrera (género en el cual ya había incidido en bastantes ocasiones) como The Last Posse (1953), Noche salvaje (Devil's Canyon, 1953), Tres horas para vivir (Three Hours to Kill, 1954), Canyon Crossroads (1955), Así mueren los valientes (At Gunpoint, 1955) y, sobre todo, la última del ciclo, la magnífica Rebeldes en la ciudad (Rebel in Town, 1956). Su postrero film, tras este, fue el drama social The Young Don't Cry (1957).

En 1947, tras el noir Repeat Performance (1947), Werker dirigió una pequeña rareza, Piratas de Monterrey (Pirates of Monterey), un western de capa y espada, al estilo de las aventuras del Zorro o el Coyote, protagonizado por la exótica María Móntez al lado del westerner Rod Cameron –intérprete éste de otra muestra de western atípico, Salomé la embrujadora (Salome Where She Danced, 1945), de Charles Barton, al lado de Yvonne de Carlo-. Y de nuevo Werker da muestras de su buen oficio, rodando una película dinámica de apenas hora y cuarto de metraje, donde se dan cita amor, humor, aventuras, traiciones, disparos, duelos a espada... Una cinta típica de complemento en los cines de doble sesión, o las que muchos disfrutábamos de niños en televisión los sábados por la tarde, bien hecha, con actores carismáticos, un apabullante technicolor (para el cual se requirió nada menos que tres directores de fotografía), y sin otra pretensión que entretener y divertir.

El que una película donde los malos son los españoles, o los simpatizantes de estos, pudiera estrenarse en nuestro país en su época proviene del hecho de que en momento alguno se menciona este hecho, aludiéndose a los rebeldes únicamente como monárquicos, o realistas. Destaca en particular el excelente duelo a espada entre el estupendo Gilbert Roland (repitiendo su sempiterno papel de pérfido traidor) y Rod Cameron, quien efectúa personalmente la escena sin necesidad de un doble. La dominicana de ascendencia española María Móntez está bella y enigmática, como la función lo requiere, y tenemos como contrapunto cómico al amigo y compañero de capitán Phillip Kent, el mexicano sargento Pío, interpretado por el actor ruso Mikhail Rasumny, divertido unas veces, irritante otras muchas.

Carlos Díaz Maroto

FICHA TÉCNICA

Dirección: Alfred Werker.

Productor: Paul Malvern para Universal International Pictures.

Guión: Sam Hellman, Margaret Buell Wilder, según argumento de Edward T. Lowe Jr., Bradford Ropes.

Fotografía: W. Howard Greene, Harry Hallenberger, Hal Mohr.

Música: Milton Rosen. Montaje: Russell F. Schoengarth.

Dirección artística: Jack Otterson, Richard H. Riedel.

Intérpretes: Maria Montez (Marguerita Novarro), Rod Cameron (capitán Phillip Kent), Mikhail Rasumny (sargento Pío), Phillip Reed (teniente Carlo Ortega), Gilbert Roland (comandante de Roja), Gale Sondergaard (señorita de Sola), Tamara Shayne (Filomena), Robert Warwick, Michael Raffetto, Neyle Morrow, Victor Varconi, Charles Wagenheim, Chris-Pin Martin, Joseph E. Bernard, Lucio Villegas...

Nacionalidad y año: Estados Unidos 1947.

Duración y datos técnicos: 74 min. color 1.37:1.

THUNDER OVER THE PLAINS (1953)

2009-11-07T22:55:00.003+01:00

En buena parte de las antologías dedicadas al western el nombre de André de Toth brilla por su ausencia o bien es relegado a un papel bastante secundario, cuando a poco que se indaga en su aportación al western se puede intuir muy fácilmente el que sea uno de los realizadores más personales de la prolífica serie b de los años 50, con títulos de la talla de La mujer de fuego (Ramrod, 1947), Last of the Comanches (1952), El honor del capitán Lex (Springfield Rifle, 1953), su obra maestra Day of the Outlaw (1959) o varias de las películas del ciclo protagonizado por Randolph Scott.

Thunder over the Plains es la penúltima cinta de este estimulante ciclo y tras su aparente sencillez se nos muestra una aguda disertación sobre el militarismo y los abusos de poder por advenedizos especuladores tras la Guerra de Secesión. Además, el protagonista que encarna Randolph Scott con su habitual sobriedad ya no es el típico héroe imperturbable y de una pieza, sino que además de tener que bregar entre nobles y honstos bandidos, ambiciosos especuladores, una población escaldada por los excesos de estos últimos y, dentro de su propio estamento, militares conformistas o arribistas, habrá de enfrentarse también a sus propios, y casi con la misma dificultad, problemas conyugales.

De Toth va deconstruyendo así muchas convenciones con un estilo que roza el cine negro, moldeando espacios donde predominan oscuras sombras que contrastan con la luminosidad de los exteriores filmados en Warnercolor por Bert Glennon. Algunos notables ejemplos de esta notable explotación y exploración del espacio se dan en las secuencias del asalto al refugio de los fugitivos liderados por Charles McGraw, la posterior huida y persecución de este por parte del protagonista en un opresor y laberíntico bosque, o el intenso clímax final, donde la alternancia entre exteriores e interiores es simplemente deslumbrante.

Entre otros recursos visuales, De Toth también se vale principalmente del contundente uso de primeros planos que rayan el expresionismo y que permiten escrutar claramente los sentimientos de los personajes, al tiempo que mediante un acertado uso de la profundidad de campo, mantiene en segundo término a otros personajes que refuerzan la precisión del encuadre.

Para terminar con esta pequeña joya del mejor western de serie b de los 50, y centrándonos en la labor conjunta del reparto, cabe resaltar la encomiable labor de los ya mencionados Randolph Scott y Charles McGraw, el primero a punto de llegar al punto álgido de su carrera con su colaboración con Budd Boetticher; el segundo uno de los secundarios más sólidos de la época y capaz de adueñarse por completo de escenas compartidas con estrellas de gran calibre. Ambos están apoyados por una corte de sólidos actores conocidos por el aficionado al género como Henry Hull, Elisha Cook Jr., Fess Parker o la habitual del cine de De Toth Phyllis Taxter. Por el contrario, el futuro Tarzán Lex Barker, ofrece una insípida interpretación en el, paradójicamente, papel más atractivo de la cinta: un oficial del ejército bastante ambivalente.

FICHA TÉCNICA

Director: André de Toth.

Producción: David Weisbart para Warner Brothers.

Guión: Russell S. Hughes.

Fotografía: Bert Glennon, en Warnercolor.

Música: David Buttolph.

Sonido: Lincoln Lyons.

Montaje: James Moore.

Intérpretes: Randolph Scott (Capitán David Porter), Lex Barker (Teniente Bill Hodges), Phyllis Kirk (Nora Porter), Charles McGraw (Bem Wetman), Henry Hull (Coronel Chandler), Elisha Cook Jr. (Joseph Standish), Hugh Sanders (Balfour), Richard Benjamin (Sargento Shaw), Lane Chandler (Mike Faraday), James Brown (Conrad), Fess Parker (Kirby), Mark Dana, Boyd Morgan…

Nacionalidad y año: Estados Unidos. 1953.

Duración y datos técnicos: 82 minutos. 1.37:1. Warnercolor.

LOS CUATRO IMPLACABLES (I QUATTRO INESORABILI, 1966)

2009-10-28T11:08:00.006+01:00

Animados por el éxito alcanzado por Clint Eastwood tras su encuentro con Sergio Leone, docenas de actores norteamericanos de segunda fila cruzaron el charco con el objeto de labrarse un nombre en la profesión, aprovechando el auge que estaba experimentando el entonces floreciente spaghetti-western. No obstante, es de recalcar que esta práctica no era nueva para el cine italiano, que ya con anterioridad había venido echando mano de actores y técnicos estadounidenses para protagonizar y dar más lustre a sus producciones, incluidas las encuadradas dentro del cine de autor, véase Fellini.

Siguiendo estos pasos, Adam West probaría fortuna en 1966 en la coproducción hispano-italiana Los cuatro implacables. Para entonces, West ya tenía una larga carrera a sus espaldas, la mayoría de ella, al igual que ocurría con Eastwood, desarrollada en la pequeña pantalla. Precisamente, aquel mismo año alcanzaría la popularidad con su encarnación televisiva del personaje originario del mundo del cómic Batman en la serie homónima, papel este que marcaría el resto de su trayectoria, llegándolo a interpretar en innumerables ocasiones ya fuera en imagen real como en dibujos animados, tanto para el medio catódico como para el cine.

Dirigida por el artesano trasalpino Primo Zeglio, Los cuatro implacables es una curiosa mixtura en la que confluyen pasado y presente del western mediterráneo. Estéticamente, y al igual que la totalidad de títulos europeos pre-Leone, su diseño de producción se mira en los patrones americanos, mientras que narrativamente su argumento es muy similar al de un bolsilibro de a duro tan popular en la época, con una intriga donde su protagonista tratará de desenmascarar a los verdaderos responsables de un crimen por el que él ha sido acusado, rasgo que le emparienta en cierto modo a toda esa caterva de adaptaciones que de autores populares como José Mallorquí o Lou Carrigan [Antonio Vera Ramírez] afrontara el género en su vertiente hispana durante sus primeros años de vida.

En cuanto a lo que respecta a las nuevas corrientes impulsadas por Leone, éstas se concentran en torno a unos cuantos ingredientes sacados directamente de La muerte tenía un precio (Per qualche dollaro in più, 1965), segunda entrega de su Trilogía del Dólar. Así, tenemos el protagonismo del grupo de cazarrecompensas – los cuatro implacables del título -, con sus persecuciones y traiciones, encabezados por el siempre carismático Robert Hundar, a quien acompañan varios característicos del género como Raf Baldasarre y José Jaspe, los cuales, al contrario a como el cine estadounidense había presentado de manera tradicional a este tipo de personajes, algo así como un brazo ejecutor de la ley, son mostrados como una banda de bandidos sin escrúpulos que, en lugar de robar bancos o diligencias, se dedican, como su propio nombre indica, a cobrar piezas humanas buscadas por la justicia sin el menor miramiento o conflicto ético –por aquellas mismas fechas esta visión también sería tratada por la industria norteamericana en la muy interesante Quinientos dólares vivo o muerto (The Bounty Killer, 1965), de Spencer G. Bennet-.

Del mismo modo, también podemos rastrear la influencia de las nuevas constantes del género en la exacerbada violencia de detalles como la manera de llevar prisionero al personaje de West al pueblo, atado de cada mano a un caballo, o en la forma de morir de Hundar, siendo arrastrado por su montura, así como por la total ausencia de un arco argumental dedicado a la típica historia de amor hasta entonces tan habitual en los títulos pioneros, si bien se llega a percibir que el personaje de Dina Loy siente cierta atracción por el protagonista.

Por lo demás, la película es un título menor de escasas pretensiones cumplidas con gran eficacia, siendo ejecutado de forma correcta por todos los diferentes apartados implicados. De entre ellos, es de destacar la pomposa música de Marcello Giombini [y Franco Pisano sin acreditar], aspecto este en el que la única nota disonante se halla en su tema principal, una melodía cantada en inglés que no es sino otro residuo más del hasta entonces patrón imperante en este tipo de cintas.

José Luis Salvador Estébenez para La Abadía de Berzano.

FICHA TÉCNICA

Director: Primo Zeglio.
Producción: Adriano Merkel.
Guión: Primo Zeglio, Manuel Marcello De Caso, Federico De Urrutia, Marcello Fondato, Manuel Sebares.
Fotografía: Miguel Fernández Mila.
Música: Marcello Giombini, Franco Pisano.
Intérpretes: Adam West (Sam Garrett), Robert Hundar [Carlo Undari] (Alan), Dina Loy (Lucy), Luis Induni (Sheriff), José Jaspe (Baxter), Howard Ross [Renato Rosini] (Troy), John Bartha (John), Paola Barbara (Elisa Anders), Raf Baldassarre (Moss), Jaime Blanch, Cris Huerta (Comisario), Roberto Camardiel (Jeffrey Anders), Francisco Sanz (Médico), Fernando Bilbao, José Canalejas (Rex Calhoun), Robert Johnson Jr (Bob), Elisa Mainardi (Nancy), Lorenzo Robledo (Ayudante sheriff), Yelena Samarina, Giovanni Petti (Juez), Rosario Pérez, Gonzalo Esquiros, Miguel Pedregosa…
Nacionalidad y año: Italia, España. 1966.
Duración y datos técnicos: 91 min. 2.35:1. Eastmancolor

UNIÓN PACÍFICO (UNION PACIFIC, 1939)

2009-10-13T14:07:00.004+02:00

Por criterio común, 1939 es designado como un año cumbre de la cinematografía por la cantidad de grandes películas que vieron la luz este año. También para el western fue un año de inflexión, principalmente por la irrupción en los cines de la obra maestra de John Ford La diligencia (Stagecoah, 1939), pero también por concentrar una serie de títulos que van de vibrantes películas encuadradas en la denominada serie b (Frontier Marshal, de Allan Dwan; Allegheny Uprising, de William A. Seiter) a grandes producciones como Arizona (Destry Rides Again, 1939) de George Marshall, Tierra de audaces (Jesse James, 1939) de Henry King o Unión Pacífico, de Cecil B. DeMille.

Fiel a su estilo de hacer cine espectáculo, DeMille recoge en esta ocasión, dentro de su ciclo de grandes aventuras sobre la creación de Estados Unidos, el tendido de la línea del ferrocarril transcontinental por la compañía Union Pacific, como ya hubiera hecho tres lustros antes el propio Ford con El caballo de hierro (The Iron Horse, 1924), y quizá nos encontremos con una de las películas sonoras de DeMille que mejor aúne el tono épico con el íntimo, el desarrollo de personajes con la línea dramática.

Respaldado por un guión de hierro, DeMille nos brinda una película de ritmo trepidante, fisicidad en la acción, tensión, emoción y humor en su desarrollo, todo ello sin obviar una realización precisa, atenta al detalle y con una puesta en escena en la que, a diferencia de lo habitual en el director, no se recarga en demasía el encuadre, sin por ello dejar este de ser preciso y permitiendo que la cámara capte de forma natural todo aquello que surge ante ella.

DeMille incluso hace honor a su máxima sobre el espectáculo en la secuencia del asalto de los indios al tren, iniciándose con un soberbio descarrilamiento de este para dar pie a un largo y sostenido clímax muy conseguido, en el cual también dará cabida a algunas de sus constantes como autor, con grandes multitudes en actitud efervescente y casi lujuriosa, con los indios expoliando el tren.

Por último, DeMille también se ve beneficiado por el concurso de un grupo de actores muy homogéneo en líneas generales entre los que se debiera destacar por encima del resto a Robert Preston y Akim Tamiroff, ambos sencillamente excelentes. McCrea y Stanwyck componen con solvencia a la pareja protagonista, así como el habitual villano Brian Donlevy.

DeMille, cineasta actualmente no demasiado valorado, ofreció con Unión Pacífico un producto mainstream modélico, un mecanismo de relojería con gran parte de sus virtudes y pocos de los defectos que se le achacan. La Palma de Oro que ganó en el festival de Cannes así lo corrobora.

FICHA TÉCNICA

Director: Cecil B. DeMille.

Producción: Cecil B. DeMille, para Paramount.

Guión: Walter DeLeon, C. Gardner Sullivan y Jesse Lasky Jr.; según una historia de Ernest Haycox.

Fotografía: Victor Milner.

Música: Sigmond Krumgold, John Leipold.

Montaje: Anne Bauchens.

Intérpretes: Barbara Stanwyck (Mollie Monahan), Joel McCrea (Capitán Jeff Butler), Robert Preston (Dick Allen), Brian Donlevy (Sid Campeau), Akim Tamiroff (Fiesta), Lynne Overman (Leach Overmile), Robert Barrat (Duke King), Anthony Quinn (Jack Cordray), Stanley Ridges (General Casement), Henry Kolker (Asa M. Barrows), Francias McDonald, Regis Toomey, J.M. Kerrigan, Harry Woods, Lon Chaney Jr, Fuzzy Knight, Ward Bond, Monte Blue, Lane Chandler, Iron Eyes Cody, Will Geer, Jack Pennick, Joe Sawyer….

INCIDENT AT PHANTOM HILL (1966)

2009-09-28T11:51:00.002+02:00

Sin demasiado esfuerzo, una película como Incident at Phantom Hill es fácilmente inscribible en ese amplio grupo de westerns de acción (también extensible a otros géneros) surgidos durante los años 60 que se centraban en un reducido grupo de aventureros reunidos con el objetivo emprender una misión casi suicida, modalidad que dio algunos frutos magníficos –Los comancheros (The Comancheros, 1961) de Michael Curtiz- cuando no soberbios, caso de Río Conchos (Rio Conchos, 1964) de Gordon Douglas o Los profesionales (The Proffesionals, 1966) de Robert Aldrich, por poner algún ejemplo.

En el caso concreto del film que comentamos, y partiendo del hecho de que en su punto de partida es mucho más modesto que los ejemplos anteriormente mencionados, nos encontramos con una película eficaz como producto de consumo, que da lo que se le pide para un correcto disfrute aun con el hecho de que contiene varios puntos grises que le inhabilitan el ascenso a ese peldaño de las buenas películas.

Empezando por los puntos grises, debiéramos citar especialmente la presencia de un personaje femenino que poco aporta a la trama salvo el hecho del atractivo físico de la actriz que lo interpreta, la poco conocida Jocelyn Lane que nada hace por explotar sus encantos. El otro factor importante es un guión no del todo pulido –y pensar que detrás está Frank S. Nugent, habitual del cine de Ford- que contiene bastantes esquematismos, varias situaciones con resoluciones poco trabajadas, además de algunos personajes poco delineados, que si se salvan de la quema es por la solvencia de sus intérpretes.

Este es el caso de los personajes de Noah Beery Jr. y Claude Akins, un soldado borrachín el primero y otro soldado vengativo el segundo, papeles casi anodinos que en manos de gente menos veterana no tendrían el más mínimo relieve. En cuanto al resto de miembros del reparto, sólo faltaría por recordar a Robert Fuller, estrella televisiva que cumple el expediente del protagonista y a un excelente Dan Duryea, como es habitual, dando vida a uno de esos villanos simpáticos que tan bien se le daban; y sin olvidar el breve papel de Denver Pyle, impagable como jefe de los bandidos.

Por último, nos queda por hablar de la labor del director, Earl Bellamy, veterano realizador curtido en televisión que sin alardes y sin caer en excesivos recursos de su medio habitual logra imprimir un buen ritmo a la cinta llegando a evitar el aburrimiento y que resuelve especialmente bien las escenas de acción, entre las que cabría destacar varios ataques indios así como el asalto inicial que dará lugar al resto del entramado sobre el que está sustentada la película.

FICHA TÉCNICA

Director: Earl Bellamy.

Producción: Harry Tatelman para Universal.

Guión: Frank S. Nugent y Ken Pettus, según historia de Harry Tatelman.

Fotografía: William Margulies.

Música: Hans J. Salter.

Sonido: Waldon O. Watson, Lyle Cain.

Montaje: Gene Milford.

Intérpretes: Robert Fuller (Matt Martin), Dan Duryea (Joe Barlow), Jocelyn Lane (Memphis), Tom Simcox (Adam Long), Linden Chiles (Dr. Hanneford), Claude Akins (Krausman), Noah Beery Jr. (O´Rourke), Paul Fix (General Hood), Denver Pyle (Jefe de los bandidos), William Phipps (Dependiente), Don Collier (Sheriff Drum), Mickey Finn (Bandido), Bing Russell…

Nacionalidad y año: Estados Unidos. 1966.

Duración y datos técnicos: 84 minutos. 2.35:1. Techniscope. Technicolor.

CAZA IMPLACABLE (THE HUNTING PARTY, 1971)

2009-09-18T13:00:00.003+02:00

A primera vista podría calificarse a Caza implacable como uno de aquellos westerns que trataron de amoldarse al fenómeno instaurado por el spaghetti western, valiéndose de un uso casi gratuito de la violencia y una estética abiertamente feísta sobre unas tramas que hacían más hincapié en fomentar las escenas de acción que en desarrollar una trama que no sea una mera sucesión de tiroteos o cabalgadas o unos personajes que no sean más allá que el prototipo de gunman lacónico que habla más con su arma que con su lengua.

A este respecto, la película de Don Medford escapa a muchas de estas características por mucho que se rodara en tierras españolas con un equipo local (fotografía del maestro Paniagua), música del italiano Ortolani y capital británico, amén de usar algunos recursos visuales -eso sí, contados- recurrentes en el subgénero mediterráneo. En contraste, el tono adoptado por Medford y su uso de la violencia están más cercanos, salvando las distancias, al cine de Peckinpah que al de Leone o Corbucci.

El film s erige, como bien indica el título español, sobre la caza sin cuartel que un potentado inicia contra la banda que secuestró a su esposa, que fue secuestrada porque su líder deseaba que le enseñara a leer y que culminará en una romance entre los dos personajes que les llevará a la perdición ante la partida organizada por el “despechado” marido.

Sin duda, el eje más interesante del film es el de la partida de caza, ya que permite subrayar la doble moral de sus integrantes, un grupo de ricos hombres de negocios que justifican sus reuniones como salidas de caza para poder montar orgías con prostitutas, y que se reconducen hacia la caza humana, por instigación de su despótico líder, valiéndose de carabinas de precisión y no por el hecho de rescatar a la mujer, pues para aquél es más una posesión que una esposa; sino en un acto totalmente lucrativo, llegando al extremo de reunir los cadáveres de los hombres cazados personaje como si fuesen un tapete de trofeos y a uno de los hombres agonizantes llegar a rematarlo a cuchillo ante la incomprensión y consternación de sus compañeros de caza, que no obstante continúan con la caza.

De este modo, los personajes antagonistas van sufriendo un camino inverso: el forajido que encarna Oliver Reed irá humanizándose por medio del amor y llegará a renunciar a las armas tras tener que ayudar a morir a su mejor amigo, mientras que el autoritario personaje de Gene Hackman irá envileciéndose y hundiéndose en una espiral de sangre cada vez menos justificable. El trabajo de ambos actores resulta plenamente convincente, respaldados por varios sólidos secundarios, como Simon Oakland, Mitch Ryan o L.Q. Jones en una película estimable y ciertamente algo subvalorada.

FICHA TÉCNICA

Director: Don Medford.

Producción: Lou Morheim, Jules Levy, Arthur Gardner; para United Artists.

Guión: William Norton, Gilbert Alexander y Lou Morheim, según historia de Aexander y Morheim.

Fotografía: Cecilio Paniagua.

Música: Riz Ortolani.

Sonido: Les Hammond.

Montaje: Tom Rolf.

Intérpretes: Oliver Reed (Frank Calder), Candice Bergen (Melissa Ruger), Gene Hackman (Brandt Ruger), Simon Oakland (Matthew Gunn), Mitchell Ryan (Doc Harrison), L.Q. Jones (Hog Warren), William Watson (Jim Loring), G.D. Spradlin (Sam Bayard), Rayford Barnes (Crimp), Ronald Howard (Watt Nelson), Bernard Kay (Buford Kay), Richard Adams (Owney Clark)…

Nacionalidad y año: Gran Bretaña. 1971.

Duración y datos técnicos: 103 minutos. 1.85:1. Color DeLuxe.

Volvemos de vacaciones

2009-09-13T00:11:00.003+02:00

Tras este larguísimo lapsus vacacional, puedo anunciaros que a partir de esta semana próxima se reanudará la actividad del blog con nuevas reseñas y noticias de nuestros temas habituales.

Siento mucho este largo parón, pero entre las vacaciones, la dejadez y los quehaceres de estas últimas semanas estivales poco tiempo he tenido de pensar en el blog, y ruego que aceptéis mis más sinceras disculpas.

CAZADOR DE FORAJIDOS (THE TIN STAR, 1957)

2009-07-12T23:54:00.007+02:00

El arranque de esta extraordinaria película expone con claridad las coordenadas sobre las cuales se articularán los dos personajes principales de la misma. Los primeros planos muestran la llegada a la población de un individuo misterioso; planos detalle que no revelan su rostro, sino la mano crispada del muerto que porta, y la reacción de los lugareños; se trata de un personaje reservado, al que al fin veremos el rostro en los rasgos de Henry Fonda. El sheriff (Anthony Perkins), por su parte, nos será mostrado en un plano americano, directo, contundente, practicando con las armas y cayéndosele una; se trata de un joven inexperto, torpe, ansioso por agradar de cualquier manera a una población que se expone cínica, egoísta, falsa y traidora.

A partir de ahí, la cinta expondrá ambos personajes y su relación con lo que les circunda. Morgan, el cazarrecompensas, es un ser repudiado: limpia lo que los habitantes de bien no se atreven a tocar, por lo cual habrá de compartir techo con una mujer repudiada, que no ve, como los demás, a los indios como escoria, sino como seres sensibles. Ben, el sheriff, por su parte, es un joven torpe que está aprendiendo los rudimentos de relacionarse en sociedad, por lo cual aún no sabe cómo tratar a sus conciudadanos, de los que no está al tanto que lo están utilizando para sus fines. En un momento determinado, Morgan le narrará cómo, en el momento de la verdad, cuando él trabajaba como sheriff, la gente bien de su población le dio la espalda, situación que se repetirá en el presente contexto con Ben.

Es curioso comprobar la relación que Morgan establece con el niño y con el sheriff. Podría interpretarse que Morg acoge al crío como sustituto del hijo que perdió, siendo el reflejo de lo que fue en el momento de su muerte; Ben, por su parte, sería ese mismo hijo, ya crecido si no hubiese fallecido. A ambos los instruirá, les irá forjando su futuro. Un ser desplazado de la sociedad se integrará a esta por medio de su entrega a dos seres desvalidos de distinta manera, exorcizando de paso su angustia.

Anthony Mann, con la presente película, abandonaba un tanto el ciclo de westerns que había iniciado en 1950 con Winchester 73 (Winchester ’73), la mayoría protagonizados por James Stewart y con guión de Borden Chase, ciclo con todo interrumpido de manera constante. Téngase en cuenta que Mann trabajaba de forma independiente, y actores y guionistas venían impuestos según la productora con la cual trabajara. Cazador de forajidos (The Tin Star, 1957), es una producción Paramount con guión de otro grande, Dudley Nichols, responsable de los libretos de gran cantidad de películas de John Ford, entre ellas la seminal La diligencia (Stagecoach, 1939), así como de otros soberbios westerns como El correo del infierno (Rawhide, 1951), de Henry Hathaway, o Río de sangre (The Big Sky, 1952), de Howard Hawks. Después de la presente escribiría otro western un tanto similar al presente, The Hangman [tv: El justiciero, 1959], dirigido por Michael Curtiz y protagonizado por Robert Taylor, este como un marshal sin escrúpulos que llega a una población donde, de igual modo, es visto con desconfianza, manteniendo una peculiar relación con el sheriff, aunque con resultados menos depurados que aquí.

La dirección de Mann es potente, telúrica diríase, pese a la aparente placidez con que transcurre todo. La agreste y contrastada fotografía remite a otros westerns por él dirigidos como son los espléndidos Las Furias (The Furies) y La puerta del diablo (Devil’s Doorway) dirigidos ambos en 1950 y uno tras otro. La excelente composición de planos brinda contrapicados, escorzos irrumpiendo en el plano, violentando de ese modo esa referida placidez, y los escasos primeros planos sirven para subrayar estados emocionales, como debe ser. De igual modo, hace un portentoso uso de la profundidad de campo y emplea fluidos y elegantes travellings laterales con asiduidad. Mann se sirve, además, de un excelente reparto, encabezado por los ya referidos Henry Fonda y Anthony Perkins, pero conviene no olvidar a magníficos secundarios como Neville Brand, John McIntire (en un personaje, con todo, que es lo más débil del conjunto, el abnegado médico del pueblo, pese a la gran composición que hace del mismo) o el imprescindible Lee Van Cleef.

Carlos Díaz Maroto, para Pasadizo.

FICHA TÉCNICA

Dirección: Anthony Mann.

Producción: George Seaton, William Perlberg para Perlsea Co., Paramount.

Guión: Dudley Nichols, según una historia de Joel Kane, Barney Slater.

Fotografía: Loyal Griggs.

Música: Elmer Bernstein.

Montaje: Alma Macrorie.

Intérpretes: Henry Fonda (Morgan 'Morg' Hickman), Anthony Perkins (Sheriff Ben Owens), Betsy Palmer (Nona Mayfield), Michel Ray (Kip Mayfield), Neville Brand (Bart Bogardus), John McIntire (Dr. Joseph Jefferson 'Doc' McCord), Mary Webster (Millie Parker), Lee Van Cleef (Ed McGaffey), Russell Simpson (Clem Hall), Peter Baldwin, Richard Shannon, James Bell, Howard Petrie, Hal K. Dawson, Jack Kenny, Mickey Finn, Richard Farsnworth, ‘Snub’ Pollard, Frank Cordell...

Nacionalidad y año: Estados Unidos 1957.

Duración y datos técnicos: 93 min. B/N 1.85:1.

FORAJIDOS DE LEYENDA (THE LONG RIDERS, 1980)

2009-06-24T13:22:00.003+02:00

Muchas son las versiones cinematográficas sobre las andanzas del gang de los James y los Younger, algunas de ellas de gran fama y reputación, empezando por Tierra de audaces (Jesse James, 1939) de Henry King y su secuela La venganza de Frank James (The Return of Frank James, 1940) de Fritz Lang; y en general ha habido visiones de para todos los gustos, desde las más románticas y glorificadoras, pasando por obras más reflexivas, sino desmitificadoras revisionistas, hasta vomitivos productos de acción que duermen el sueño de los justos.

Dentro de todo este conglomerado de visiones, Forajidos de leyenda posiblemente pase por ser aquella que mayor realismo aporte, no tanto a la fidelidad histórica de los hechos sino más bien en la recreación y ambiente de la época, algo significativo si recordamos que su director, el reivindicable Walter Hill, siempre se ha movido entre personajes históricos cuando ha abordado de nuevo el género para la pantalla grande con Gerónimo (Geronimo: An American Legend, 1993) y Wild Bill (1995).

De esta manera, la película de Walter Hill en vez de centrarse en algún determinado miembro de la banda, opta por mostrar un retrato coral del grupo, usando para ello (con toda seguridad la anécdota más recordada del film) a diferentes familias de actores para los distintos hermanos de la banda (habría que añadir una dinastía más que nunca se menciona (James Whitmore Jr. interpreta al agente Pinkerton encargado del caso), que da como resultado unos personajes creíbles y muy denifidos, así la frialdad de Jesse en el pétreo rostro de James Keach, el aura crepuscular y parcialmente romántica del Cole Younger de David Carradine, el empequeñecido Frank James de Stacy Keach, siempre bajo la sombra de su hermano o el aire de granjero del Clell Miller de Randy Quaid, por poner algunos ejemplos.

Paradójicamente, el realismo buscado por Hill en la puesta en escena contrasta plenamente con el tiroteo final tras la debacle producida en el grupo en el asalto al banco de Northfield. Hill, heredero directo de Sam Peckinpah, de quien fue colaborador, muestra un tiroteo con reminiscencias del inaugural de Grupo salvaje (The Wild Bunch, 1969) que ya estaba basado en los hechos reales nombrados, con un empleo de la ralentización que incluso supera a la de su maestro, pues aquí incluso el sonido es ralentizado, convirtiendo los impactos de bala en un ritual de dolor y agonía, que da paso a unos bellísimos travellings siguiendo al maltrecho grupo por un bosque tal cual si fuesen espectros de lo que eran.

Son estas algunas de las virtudes de un film modélico, del que se podría decir mucho más, pero del que no puedo dejar de destacar brevemente para acabar la magnífica banda sonora de Ry Cooder, llena de canciones de aires sureños que ayudan a ese aire de realismo ambiental comentado al inicio, una cita visual en el momento de la muerte de Jesse James al legendario plano del forajido disparando a la cámara de Asalto y robo de un tren (The Great Train Robbery, 1903) y la inclusión, al igual que en muchas de las versiones, de un momento de glorificación de los bandidos, en este caso en el instante final, cuando un granjero ve pasar el tren que transporta el féretro y se descubre del sombrero en señal de respeto: el reconocimiento final de aquellas clases populares que siempre estuvieron a favor de las fechorías de los forajidos, que siempre fueron para ellos una especie de Robin Hood con Colt en vez de arco y flechas.

FICHA TÉCNICA

Director: Walter Hill.

Producción: Tim Zinnemann, James y Stacy Keach para United Artists.

Guión: Bill Bryden, Steven Phillip Smith, Stacy y James Keach.

Fotografía: Ric Waite.

Música: Ry Cooder.

Montaje: David Holden.

Intérpretes: David Carradine (Cole Younger), Keith Carradine (Jim Younger), Robert Carradine (Bob Younger), James Keach (Jesse James), Stacy Keach (Frank James), Randy Quaid (Clell Miller), Dennis Quaid (Ed Miller), Harry Carey Jr. (George Arthur), Nicholas Guest (Bob Ford), Christopher Guest (Charlie Ford), Whitmore (Sheriff), Pamela Reed (Belle Starr), Peter Jason (Agente de Pinkerton)…

Nacionalidad y año: Estados Unidos, 1980.

Duración y datos técnicos: 95 minutos. 1.85:1. Technicolor.

REVOLT AT FORT LARAMIE (1957)

2009-06-18T08:21:00.004+02:00

En 1957, año en que se estrenó Revolt at Fort Laramie, a Lesley Selander no le era desconocido para nada el western, puesto que a sus espaldas se encontraban cerca de una centena de títulos pertenecientes al género que sin duda le habían reportado una fuerte experiencia en el manejo de los recursos elementales del género, pero aun con ello, siempre se mostró como un cineasta irregular, tan capaz de ofrecer un producto estimulante para a continuación realizar otro mucho más anodino.

Revolt at Fort Laramie, para bien o para mal, se inscribe dentro del segundo grupo, a pesar de tener un argumento con posibilidades: la división de bandos que se da en un fuerte nada más iniciarse la guerra civil y la posterior unión de fuerzas para resistir una rebelión de los indios, cansados de las continuas omisiones de cumplimiento de los tratados por los colonos blancos. Una trama en cierta medida parecida a la que unos años antes John Sturges llevó a cabo con Fort Bravo (Escape from Fort Bravo, 1953) pero en esta ocasión servida de manera más convencional.

El mayor defecto que se puede achacar a la película de Selander es una absoluta carencia de suspense en los acontecimientos que se suceden, dado que las escenas pasan con total monotonía, como si las diversas reuniones entre personajes en las que se cuestionan las lealtades o los planes de alguna de las facciones están filmadas con una falta de tensión manifiesta.

A este respecto, sólo una escena es digna de mención, que contrasta paradójicamente con el tono monoacorde de la cinta puesto que en ella la puesta en escena de Selander resulta poderosa: aquella en la que uno de los soldados, dudoso, vuelve al barracón después de delatar ante los oficiales a sus compañeros sudistas, que tratan de amotinarse. Nada más entrar, el cabecilla lo interroga y podemos percibir un montaje de los rostros graves del resto de reclutas. Poco después, uno de ellos empieza a tocar “Dixie” con la armónica (un jovencísimo Harry Dean Stanton) y el resto se une mientras la cámara enfoca rápidamente el rostro crispado del delator. Acto seguido, todos se abalanzan sobre él, en una actitud que puede recordar a muchas películas de muertos vivientes, y finalmente aparece de entre ellos un cuchillo que es limpiado en la sábana de una cama. Un ejemplo aislado de las genialidades que se podían hacer en la serie b.

Poco que añadir en el apartado actoral, dado que en consonancia con el tono general de la película el reparto poco puede hacer con unos personajes esquemáticos y poco desarrollados, del que sólo cabría mencionar a John Dehner, secundario de fuste en obras de mayor reputación que aquí incorpora al protagonista, un comandante que se debe tanto a sus simpatías por el Sur natal como al servicio que presta a su patria, y al que el actor otorga una convincente serenidad. Y nada más, quizá solamente el agradecer la escasa duración de 70 minutos que al menos pasa pronto.

FICHA TÉCNICA

Director: Lesley Selander.
Producción: Howard W. Koch para Bel-Air/United Artists.
Guión: Robert C. Dennis.
Fotografía: William Margulies.
Música: Les Baxter.
Sonido: Joe Edmondson.
Montaje: John F. Schreyer.
Intérpretes: John Denner (Mayor Seth Bradner), Gregg Palmer (Capitán James Tenslip), Frances Helm (Melissa Bradner), Don Gordon (Jean Salignac), Robert Keys (Sargento Darrach), Bill Phillips (Serrell), Cain Mason (Ezra), Robert Knapp (Teniente Chick Waller), Eddie Little Sky (Red Cloud), Harry Dean Stanton (Rinty), Bill Barker (Hendrey), Clay Randolph (Casswell), Kenne Duncan (Capitán Foley)…
Nacionalidad y año: Estados Unidos. 1957.
Duración y datos técnicos: 70 minutos. 1.37:1. Blanco y negro.

BRANDY (1964)

2009-06-10T11:34:00.004+02:00

Opera prima como realizador de uno de los hombres más polifacéticos que han pasado por nuestra industria, José Luis Borau (1), director, guionista, productor, actor, profesor y crítico cinematográfico, quien por este debut efectuado por encargo recibió el premio al mejor director novel de aquel año por parte del Círculo de Escritores Cinematográficos, a pesar de que el aragonés quedaría algo decepcionado ante la acogida con la que fue dispensado el film en su momento.

Primera y última aportación de Borau al western, ésta guarda ciertos paralelismos con los títulos que por aquellos mismos años rodara Joaquín Romero Marchent, auténtico pionero del género en España, tanto en su aspecto visual como en la coincidencia de nombres en el equipo con el que se llevó a cabo la película, caso del músico Riz Ortolani, o del actor italiano Robert Hundar, quien, vestido completamente de negro, aporta su típico pistolero belicoso y mal encarado. No obstante, dichas similitudes no han de extrañar puesto que tanto la película que nos ocupa como las referidas primerizas obras dentro del género del director de Antes llega la muerte comparten idénticos productores, Alberto Grimaldi a través de su P.E.A., y Eduardo Manzanos, esta vez bajo el sello de Cooperativa Fénix Films en lugar de la acostumbrada Copercines, tal y como era usual en sus colaboraciones junto al mayor de los Romero Marchent, quien, todo sea dicho, había roto por aquellas fechas sus relaciones comerciales con el productor español para el que hasta ese momento había rodado todas sus aportaciones al género.

De este modo, la película de nuevo es una adaptación de una novela de José Mallorquí titulada El sheriff de Losatumba, adaptada por el propio Borau (2) bajo el nombre de Brandy (3), apodo que recibe su protagonista por su afición a dicha bebida, texto en el cual, a pesar de partir de un argumento de lo más manido en el que podemos encontrar casi todos los tópicos del género, se advierte cierta voluntad por parte del director de Furtivos (1975) de apartarse del desarrollo al uso de esta serie de elementos, pese a que al final todo se acabe resolviendo como cabría de esperar

Todo esto es especialmente apreciable en lo concerniente a su protagonista, un alcohólico que, al contrario que el personaje que interpretara Dean Martin en Río Bravo (Rio Bravo, 1959) de Howard Hawks y, por ende, del resto de personajes de similar calado que habitaron el western después de este, se mueve más por su carácter que por ningún deseo de redención o superación, cosa esta que se producirá más por el empuje de sus vecinos y las circunstancias que por una voluntad propia del protagonista.

En este sentido son destacables algunos arranques de furia y dignidad del personaje, como en el momento que decide hacerse con el botín del banquero, tras que este le humille en público al no dejarle coger la colilla del puro que acababa de tirar, o su primer enfrentamiento con el personaje interpretado por el referido Hundar, después de que éste haya matado al sheriff local, quien daba cobijo en su oficina a Brandy, para acabar recibiendo una paliza por parte del matón, el cual deja de golpearle por pura lástima. De igual manera, también es destacable el relativo poco protagonismo que adquiere la historia de amor de Brandy con Eva, la camarera del bar, o las insinuaciones que se hacen con respecto a la mina abandonada que esta posee, como si de un momento a otro alguien fuera a encontrar una veta de plata en dicha explotación minera, cosa que en ningún momento acabara sucediendo.

Protagonizada de forma brillante por un especialista del western de serie B norteamericano en uno de sus últimos trabajos, Alex Nicol, quien ya había trabajado en nuestro país en el título iniciador del western en Europa, Tierra brutal (1961) de Michael Carreras, se trata de un título que dentro de su modestia resulta de lo más estimable, contando entre sus valores, aparte de lo dicho, con una agradecida factura técnica, una incipiente inventiva visual por parte de su realizador, así como algunos simpáticos hallazgos narrativos, caso de la ocurrencia de incluir intertítulos durante el metraje a modo de narrador, aunque tampoco escape de otros momentos menos inspirados, como esa atroz escena musical - posiblemente impuesta desde producción - que tiene lugar en la oficina del sheriff, papel que es encarnado por uno de los más desaprovechados talentos interpretativos que ha tenido nuestro país, el fallecido actor gallego Antonio Casas.

José Luis Salvador Estébenez para La Abadía de Berzano.

FICHA TÉCNICA

Director: José Luis Borau, Mario Caiano (no acreditado).

Productor: Eduardo Manzanos

Guionistas: José Luis Borau y José Mallorquí (no acreditado), según la novela El sheriff de Losatumba de José Mallorquí publicada con el seudónimo de Carter Mulford.

Fotografía: Manuel Merino.

Música: Riz Ortolani.

Intérpretes: Alex Nicol (Brandy), Robert Hundar [Carlo Undari] (Moody), Renzo Palmer (Padre Andrews), Giuseppe Addobbatti [acreditado como John MacDouglas] (Juez Stauffer), Luis Induni (Tunnell), Antonio Casas (Sheriff Clymer), Maite Blasco (Eva), Georges [Jorge] Rigaud (David “Beau”), Natalia Silva (Sra. Garrido), Manuel Ayuso (Mayor), José Canalejas (Chirlo), Paola Barbara (Sra. Staffler), Mark Johnson (Chico), Rafael Hernández (Secretario), Héctor Quiroga (Murray), Elena Santonja (Sra. Murray), Giovanni Petrucci (Lewitt), Alfonso Rojas (Hamlin), José Villasante (Ranchero).

Nacionalidad y año: España/Italia. 1964.

Duración y datos técnicos: 82 min. 2.35:1. Eastmancolor. Totalscope.

(1) En casi todas las fuentes foráneas consultadas señalan al italiano Mario Caiano como co-director del film, dato este que es totalmente omitido en los textos españoles a los que hemos tenido acceso.

(2) En la Biblioteca Nacional de Madrid se halla registrado el guión original por multicopista (Copias Monis, 1964) y acreditado en exclusiva a José Mallorquí.

(3) Como curiosidad, señalar que no sería esta la única relación que tendría con dicha bebida José Luis Borau, ya que años después, a través de su productora El Imán, se encargaría de una campaña publicitaria de una de las marcas de coñac más populares de nuestro país, la cual fue protagonizada por la actriz y modelo estadounidense Patty Shepard.

LOS VENGADORES (THE REVENGERS, 1972)

2009-06-02T17:01:00.003+02:00

Existe un determinado grupo de películas que debido al éxito y popularidad que obtuvieron en su época sirven como filón que explotar para numerosas producciones posteriores, ya bien sean secuelas directas o películas originales que basan su argumento en ideas totalmente prestadas de aquellas dada la gran similaridad de las propuestas.

Los vengadores es uno de estos últimos casos, donde con no mucha dificultad se pueden advertir las influencias de célebres producciones como Doce del patíbulo (The Dirty Dozen, 1967),en cuanto al grupo de presidiarios contratados para una peligrosa misión; Grupo salvaje (The Wild Bunch, 1969), en cuanto a la concepción de la violencia se refiere y por la participación de dos de los actores principales de ella; e incluso de Los siete magníficos (The Magnificent Seven, 1960) por la formación de un grupo de pistoleros de semejante cifra.

Con todos estos ingredientes, normalmente vistos en innumerables ocasiones ya sea juntos o por separado, es tremendamente sencillo caer en la rutina y el perpetuo aburrimiento, algo que la funcional dirección de Daniel Mann evita gracias principalmente al buen ritmo que otorga a la acción y al inserto de numerosos instantes humorísticos.

Así, con mera profesionalidad de artesano, Mann construye una película entretenida con un material que abordado de otra forma seguramente hubiera sido mucho más plúmbea, pero que nunca decae debido principalmente a los constantes tiroteos y cabalgadas que van deviniendo entre las escuetas líneas dramáticas del guión, que sólo concede instantes de reposo ya en el último tercio de la película con el breve episodio de la convalecencia de William Holden en casa de una magnífica Susan Hayward en su último papel para el cine, y que sirve para que aquel se replantee el proceso deshumanizador que ha sufrido en su aventura.

Este breve inserto quizá sea lo más interesante de la película, aunque también hay algunos elementos dignos de destacar básicamente por su curiosidad, como es el caso de la rara hermandad que se fragua entre los desarrapados ex convictos (cada uno de diferente nacionalidad) y el hombre que les liberó: en un principio vuelven con él porque no tienen otro lugar a donde ir, y finalmente son estos los que acuden en su auxilio en un signo de lealtad para quien es un compañero de armas.

Poco más que decir, solamente destacar las buenas interpretaciones de un reparto lleno de caras conocidas para el aficionado del género: Holden, el regio Strode, un divertidísimo Borgnine, y secundarios como los mexicanos Martínez de Hoyos y Jorge Luke, el alemán Reinhard Kolldehof o el breve papel del entrañable y desgarbado Arthur Hunnicutt y también una partitura en principio poco adecuada para el género pero muy pegadiza y enérgica. No nos encontramos ante una gran película, ni incluso buena, pero entretiene para pasar el rato y da lo que ofrece desde el principio, que no es poco.

FICHA TÉCNICA

Director: Daniel Mann.

Producción: Martin Rackin para Estudios Churubusco/Cinema Center Films.

Guión: Wendell Mayes, según una historia de Steven W. Carabatsos.

Fotografía: Gabriel Torres.

Música: Pino Calvi.

Sonido: Ángel Trejo.

Montaje: Walter Hannemann, Juan José Marino.

Director de 2ª Unidad: Ray Kellogg.

Intérpretes: William Holden (John Benedict), Ernest Borgnine (Hoop), Woody Strode (Job), Susan Hayward (Elizabeth), Roger Hanin (Quiberon), Reinhard Kolldehoff (Zweig), Jorge Luke (Chamaco), Jorge Martínez de Hoyos (Cholo), Arthur Hunnicutt (Free), Warren Vanders (Tarp), Larry Pennell (Arny), John Kelly (Whitomb), James Daughton (Morgan), Lorraine Chanel (Sra. Benedict), Raúl Prieto (Alcaide)….

Nacionalidad y año: Estados Unidos, México. 1972.

Duración y datos técnicos: 108 minutos. 2.35:1. Panavision. Technicolor.

LA CARGA DE LOS JINETES INDIOS (THE CHARGE AT FEATHER RIVER, 1953)

2009-05-25T09:50:00.002+02:00

Gordon Douglas, director todoterreno con joyas en prácticamente todos los géneros cinematográficos que pasaron por su mano, fue especialmente prolífico en el western, rodando un total de diecisiete a lo largo de su carrera. De todos ellos, destacan por su temática concurrente tres de ellos -Solo el valiente (Only the Valiant, 1951), Chuka (1967) y La carga de los jinetes indios- en los que un grupo de personajes no especialmente virtuosos son constantemente hostigados o asediados por los indios, convirtiéndose estos en una especie de castigo moral para el grupo protagonista.

Si bien Solo ante el valiente y Chuka son los que más se parecen entre ellos debido a su carácter mortuorio e incluso metafísico, resaltado por su condición sedentaria al desarrollarse dentro de los confines de sendos fuertes; La carga de los jinetes indios no es tan grave como las anteriores, diferenciándose de aquellas en que en esta ocasión el grupo protagonista ha de librar a dos muchachas cautivas de los indios y por ello la trama se desarrolla durante la expedición por paisajes casi desérticos y desolados.

Como hemos dicho, el poso de la película no es tan grave como el de sus dos compañeras de esta especie de trilogía, debido principalmente a que algunos de los personajes secundarios están tratados con mayor ligereza para presentar cierta función humorística.

Así, Gordon Douglas, sabedor de que en esta ocasión seguramente no podría mostrar todo el potencial dramático por la condición de encontrarse ante un típico serie b que trataba de aprovechar la efímera moda de la pantalla en relieve 3D, hace primar la acción sobre el desarrollo de personajes, no tan conscientes del pesar de sus defectos pero totalmente delineados con un par de esbozos; y otorgando un clímax casi constante a la película, de modo que no ofrece tregua ni al espectador ni a los personajes ante la persistente presencia amenazadora de los indios, y aportando de vez en cuando apuntes de interés como el hecho de que las muchachas salvadas no deseen ser rescatadas, es más, una de ellas incluso pretendía casarse con el jefe de la tribu.

Aun a sabiendas de que nos encontramos ante un film menor en comparación ante sus dos ilustres compañeras, no por ello nos encontramos ante una película desdeñable, que encuentra en el dinamismo y la eficiencia -una dirección ajustada, una música resultona y un reparto poco reconocido pero bien entregado a la causa- sus mejores bazas, y que nunca aburre pero tampoco apasiona; una película de esas que siempre pueden ocupar un pequeño lugar en algún recóndito rincón del corazón o de la memoria del aficionado, que no es poco.

Por último, no quería dejar de comentar una anécdota histórica referente al film y que no es otra de que dio a conocer un famoso efecto sonoro ampliamente usado en la industria de Hollywood conocido como “el grito Wilhelm”, grabado originalmente para Tambores lejanos (Distant Drums, 1951) de Raoul Walsh, pero que adquirió su nombre del personaje que lo emite en esta película al recibir un flechazo en la pierna.

FICHA TÉCNICA

Director: Gordon Douglas.
Producción: David Weisbart para Warner Brothers.
Guión: James R. Webb.
Fotografía: Peverell Marley.
Música: Max Steiner.
Sonido: Charles B. Lang.
Montaje: Folmar Blangsted.
Intérpretes: Guy Madison (Miles Archer), Frank Lovejoy (Sargento Charlie Baker), Helen Westcott (Anne McKeever), Vera Miles (Jennie McKeever), Dick Wesson (Soldado Cullen), Onslow Stevens (Grover Johnson), Steve Brodie (Soldado Ryan), Ron Hagherty (Johnnt McKeever), Fay Roope (Teniente Coronel Kilran), Neville Brand (Soldado Morgan), Henry Kulky (Soldado Smiley), Lane Chandler (Soldado Zebulan Poinsett), Fred Carson (Jefe Thunder Hawk), James Brown (Soldado Connors), Ralph Brooke (Soldado Wilhelm), Fred Kennedy, Dub Taylor…
Nacionalidad y año: Estados Unidos. 1953.
Duración y datos técnicos: 92 minutos. 1.37:1. Warnecolor. 3-D Natural Vision.

2 nuevos dvds de Impulso.

2009-05-19T12:38:00.004+02:00

En las próximas semanas, Impulso sacará dos nuevos westerns en dvd, uno debido a su asociación con Warner y el otro con Fox:

-Furia en el valle (The Sheepman, 1958) de George Marshall. Con Glenn Ford, saldrá a la venta el 26 de mayo, y como viene siendo habitual en los títulos del catálogo de Warner, no contará con mejora anamórfica.

-Río Conchos (Rio Conchos, 1964) de Gordon Douglas. Con Richard Boone, Stuart Whitman y Edmond O´Brien. Una obra maestra del género de las más esperadas en dvd, que en principio no sería de temer viniendo el máster de Fox, pero Impulso, volviendo a darnos una de cal y otra de arena, ha anunciado que vendrá en formato 1.85:1, amputando así el glorioso Scope que luce la película.

En fin, una pena. Parece mentira que a estas alturas del formato dvd, se sigan haciendo estas tropelías.

LA ÚLTIMA AVENTURA (CUSTER OF THE WEST, 1967)

2009-05-14T13:11:00.004+02:00

Dentro de la mitología westerniana, el General Custer ocupa um lugar destacado gracias a La famosa batalla de Little Big Horn donde pereció al mando de sus tropas. No son pocas las versiones cinematográficas sobre el personaje, siendo la más popular la magistral Murieron con las botas puestas (They Died with Their Boots On, 1941) de Raoul Walsh, cuya visión heroica ha sido repudiada en demasía, centrándose en el hecho de no tratarse de una versión y obviando su mensaje humano subyacente; al tiempo que se alababa los hipócritas y burdos émulos del personaje hechos en los años 70.

Aun con todo, La última aventura, segundo western de Robert Siodmak (no olvidemos que dirigió un film de la serie de adaptaciones alemanas de novelas de Karl May), pese a la época donde se realizó, se encuentra más cercana a la versión de Walsh, mostrando, en un trato aceptablemente fiel a la historia real según algunos historiadores, a un Custer que como militar es un mero ejecutor de las políticas de su gobierno, aun rechazándolas por mostrar poco respeto con los indios. Un Custer que con resignación, debido a la fidelidad al estamento militar, informa críticamente a los políticos del éxito de la matanza del río Washita, políticos a los que llega a denunciar por sus continuos atropellos, a pesar de las trabas que estos le impondrán.

También, hacia el último tercio del film, Siodmak nos ofrecerá ciertos apuntes crepusculares del personaje al comprobar como él, un caballero de la guerra y la estrategia tradicional, se verá desplazado por la nueva maquinaria que acabará con la nobleza de la guerra.

Son los mejores apuntes de un film descompensado donde Siodmak en pocas ocasiones puede mostrar parte del genio que otorgó a su cine negro; un film descompensado debido principalmente al exceso de escenas de acción que buscaban lucir la exhibición del film en Cinerama y que llegan a incluir larguísimos planos con la cámara situada al frente de un vehículo a toda velocidad con tal de mostrar espectacularidad pero que rompen con la línea dramática, a todas luces más interesante.

No deja de ser curioso que los momentos en que la película decae sean las escenas de acción en detrimento de las escenas más intimistas, cuando por lo general suele suceder lo contrario, pero no solo a la línea narrativa afecta esta rara descompensación: la banda sonora de Bernardo Segall presenta un tema principal chirriante y anodino, comparable al de otro western de temática militar no mucho anterior al que nos ocupa, Mayor Dundee (Major Dundee, 1965) de Sam Peckinpah, por el contrario, otras piezas musicales más pequeñas e íntimas que aparecen momentáneamente son excelentes.

A nivel interpretativo sólo quedaría destacar la buena interpretación y el aplomo que otorga el británico Robert Shaw a su Custer, gran actor en su única incursión en el género aunque, y al parecer redondeando la descompensación general del film, en la escena del entrenamiento de la tropa abusa de histrionismo. También quedaría mencionar el buen hacer de Lawrence Tierney y el pequeño cameo de un glorioso Robert Ryan como contrapunto a Custer en uno de los mejores momentos de la película.

Por último, me gustaría acabar comentando una anécdota ciertamente curiosa: en un principio, el proyecto de la película fue ofrecido al maestro japonés Akira Kurosawa al tiempo que se preveía a su actor fetiche, Toshiro Mifune, para encarnar al jefe indio Sitting Bull.

FICHA TÉCNICA

Director: Robert Siodmak.
Producción: Philip Yordan para Security Pictures/MGM.
Guión: Bernard Gordon y Julian Halevy.
Fotografía: Cecilio Paniagua
Música: Bernardo Segall.
Sonido: Alban Streeter, Kurt Herrnfeld.
Montaje: Maurice Rootes, Peter Parasheles.
Director 2ª Unidad: Irving Lerner, Noel Howard.
Intérpretes: Robert Shaw (General George Armstrong Custer), May Ure (Elizabeth Custer), Ty Hardin (Mayor Marcus Reno), Jeffrey Hunter (Capitán Benteen), Lawrence Tierney (General Philip Sheridan), Robert Ryan (Sargento Mulligan), Marc Lawrence (Buscador de oro), Kieron Moore (Chief Dull Knife), Charles Stalmaker (Teniente Howell), Robert Hall (Sargento Buckley), Jack Gaskins, Jack Taylor, John Clark, Fred Kohler Jr. …
Nacionalidad y año: Estados Unidos, Gran Bretaña, Francia. 1967.
Duración y datos técnicos: 141 minutos. 2.20:1. Technicolor. Super Technirama-70.

EL SABOR DE LA VENGANZA (1963)

2009-05-07T14:35:00.006+02:00

Si hay un macguffin asociado de una forma indeleble a un género, este es el de la venganza y su sempiterna relación con el spaghetti-western. Sobre él se apoyan los argumentos de la mayoría de títulos adscritos a esta corriente, hasta el punto que resulta difícil pensar en alguna película que rehuya el tema (aunque haberlas hailas), y sobre este concepto es sobre el que se apoya el argumento de El sabor de la venganza, segunda incursión estrictamente hablando en los terrenos del western del madrileño Joaquín Romero Marchent, quien para este nuevo film volvió a contar con el apoyo de la italiana P.E.A., corriendo la parte española de la producción de mano de Centauro Films, sello creado para la ocasión por el propio Joaquín en sustitución de la habitual Copercines de Eduardo Manzanos, para la cual Romero Marchent había realizado sus tres últimas películas. Dicho cambio se antoja determinante para que el rodaje se llevará a cabo en Almería en sustitución del poblado de Hoyo de Manzanares, tal y como había sido norma hasta el momento, convirtiéndose El sabor de la venganza de esta forma en el segundo western con participación española rodado en aquellas tierras tras la inaugural Tierra brutal (The Savage Guns, 1962) de Michael Carreras, pero, lo más importante, siendo el responsable de descubrir a los italianos las enormes posibilidades de unos desérticos parajes que, desde aquel mismo momento, se convertirían en base de operaciones de la mayoría de cintas mediterráneas ambientadas en el Oeste.

Ya desde la misma escena con la que se abre la cinta nos son presentandos los acontecimientos que marcaran el discurrir del resto de la historia: una banda de forajidos huidos de la justicia, llegan a un rancho situado en medio del desierto en donde vive un matrimonio con sus tres hijos pequeños. Una vez allí, los bandidos intentan violar a la mujer, asesinando al marido ante la atónita mirada de los niños, quienes desde aquel mismo momento juran cumplir venganza. Como no podía ser de otra manera, este traumático hecho junto a la educación basada en el odio y rencor que les inculca su madre, influirá en la futura personalidad de los tres muchachos, aunque de forma muy distinta.

Así, Chris, el mediano de los hermanos, el cual es interpretado con su habitual buen oficio por el italiano Robert Hundar en un papel con no pocos parecidos al que ya había desarrollado también bajo las ordenes de Joaquín en la anterior Cabalgando hacia la muerte (1962), se ha convertido ya de adulto en otro asesino igual a los que él busca – en este sentido resulta muy reveladora la secuencia en la que éste llega a un rancho buscando un caballo de refresco, en la que apunto está de repetir la misma escena que a él le marco de niño, momento en el cual parece tomar conciencia de en que tipo de hombre se ha convertido -, mientras que el menor, Jeff, personaje incorporado por el estadounidense Richard Harrison - uno de los pocos actores surgidos durante el péplum que, a pesar de sus limitados registros, y tal vez beneficiado por una musculatura no tan exagerada como lo que era norma en los interpretes de aquel género, logro seguir con su carrera una vez pasada la fiebre del “cine de romanos” -, estudia para convertirse en agente federal, y con la ley en la mano, poder encarcelar a los asesinos de su padre. En cuanto al mayor de todos, Brad, es tal vez el más racional y menos apasionado de todos, representando un punto intermedio entre ambas actitudes: si bien comparte las mismas ansias de venganza que Chris, prefiere los métodos legales de Jeff, quizás por no tener ganas de complicarse la vida al tener una familia y negocios a los que atender.

Sobre esta base, Romero Marchent construye un discurso en el que contrapone la pasionalidad del ojo por ojo con la frialdad de la fe en la justicia, poniendo en tela de juicio la espiral que crea la violencia, lo peligroso de vivir con odio, y lo difícil de hacer prevalecer la ley en un lugar como el lejano Oeste, donde la única ley que se conocía era la del más fuerte. De este modo, llegado el momento, Jeff, o lo que es lo mismo, la justicia, y Chris, el odio, no tendrán más remedio que discernir sus diferencias para dilucidar la suerte del único superviviente de la partida de desalmados que les dejaron huérfanos. Este enfrentamiento en el caso de Jeff será por partida doble, ya que a parte de tener que enfrentarse a su propio hermano para poder cumplir con su deber, y con ello, reafirmar que sus ideales son los correctos una vez se ha convertido en marshall, tendrá que poner a prueba a sus propias emociones y sentimientos, ya que el hombre al que acusa de haber matado a su progenitor, es, a su vez, el padre de su amada. Pero pese a esta encrucijada emocional en la que se encuentra el personaje protagonista, resulta fascinante la manera en la que el realizador consigue que a partir de este punto las simpatías del público sean para el impulsivo de Chris, antes de para el honrado defensor de la ley, ya que, al fin y al cabo, el primero no deja de ser una pobre víctima del ambiente en el que ha crecido, como bien se encargará de recordarnos su desgarradora escena final.

Sin ningún género de dudas, nos encontramos ante el primer gran western europeo y uno de los pocos títulos reivindicables de los producidos antes de la eclosión del género con los primeros trabajo de Leone, el cual se ve beneficiado además por la envidiable narrativa y enfoque dramático que imprime al conjunto el director de El clan de los nazarenos (1975), demostrando hallarse más a gusto con una historia propia guionizada junto a su hermano y futuro puntal del western en España, Rafael, a la sazón ayudante de dirección en este título, y Jesús Navarro, que en sus anteriores colaboraciones con Manzanos bajo libreto de Mallorquí, siendo arropado, como en él era habitual, por un grupo de colaboradores reincidentes de anteriores trabajos suyos, caso del operador Rafael Pacheco, o de los actores Fernando Sancho, Aldo Sambrell, Raf Baldasarre o el citado Hundar.

Como no podía ser de otra manera, el film cosechó un gran éxito tanto de crítica como de público en el momento de su estreno, siendo considerada por los lectores de la revista cinematográfica Film Ideal como la sexta mejor película española de ese año, mientras que en Italia fue un auténtico taquillazo, a pesar que para la distribución en aquel país Alberto Grimaldi, dueño de la P.E.A., y siempre según las palabras de Rafael de España en su imprescindible Breve historia del western mediterráneo, eliminara nada menos que quince minutos de metraje, redundando tales supresiones en una simplificación de la trama a favor de la acción pura y dura.

José Luis Salvador Estébenez, para La Abadía de Berzano.

FICHA TÉCNICA

Director: Joaquín Luis Romero Marchent.

Producción: Manuel Castedo, Adriano Merkel.

Guión: Joaquín L. Romero Marchent , Rafael Romero Marchent, Jesús Navarro Carrión, Marcello Fondato (no acreditado en la versión española).

Fotografía: Rafael Pacheco.

Música: Riz Ortolani.

Montaje: Daniele Alabiso.

Intérpretes: Richard Harrison (Jeff Walker), Robert Hundar (Chris Walker), Gloria Milland (Louise Walker), Miguel Palenzuela (Brad Walker), Fernando Sancho (Pedro Ramírez), Gloria Osuna (Susan Westfall), Luis Induni (Westfall), José Manuel Martín (Richard), Alfonso Rojas (Grayson), Carlos Romero Marchent (Rock), Francisco Sanz (Juez), José Truchado (Parker), José Riesgo (Padre de los Walker), Gaspar “Indio” González, Aldo Sambrell, Rufino Inglés (Esbirros de Parker), Andrea Scotti, Raf Baldasarre, Emilio Rodríguez (Ayudante Merrill)…

Nacionalidad y año: España/Italia. 1963.

Duración y datos técnicos: 97 min. 2.35:1. Color.

Próximos dvds a la venta.

2009-05-05T09:36:00.003+02:00

Siguiendo la tónica de los últimos meses, Impulso seguirá editando más suculentos westerns clásicos de la Fox para el 13 de mayo, hasta ahora con mejor calidad que en su asociación con Warner:

-El correo del infierno (Rawhide, 1951) de Henry Hathaway. Exclusiva FNAC.

-Tierra de violencia (The Proud Ones, 1956) de James R. Webb.

-Pluma blanca (White Feather, 1955) de James R. Webb.
-Duelo en el barro (These Thousand Hills, 1959) de Richard Fleischer.

Impulso, a través de una empresa subsidiaria, también parece haber sacado a la venta en fechas recientes Solo ante el valiente (Only the Valiant, 1951) de Gordon Douglas, disponible anteriormente en kioscos.

También, Divisa se apunta a la edición con un western de los 70 Duelo a muerte en O.K. Corral (Doc, 1971) de Frank Perry, ya editado anteriormente, aunque en esta ocasión se anuncia por primera vez con inclusión de mejora anamórfica. Se prevee su salida a la venta para el 20 de mayo.

Para cubrir la oferta mediterránea, Llamentol, empresa francamente temible en la edición de este tipo de títulos del denominado spaghetti western, ofertará próximamente 5 nuevas ediciones, algunas de ellas ya presentes con anterioridad en el mercado por otras editoras:

-Los amigos (Los amigos, 1970) de Paolo Cavara.

-Los violentos de Texas (Acquasanta Joe, 1971) de Mario Gariazzo.

-Las pistolas no discuten (Le pistole non discutono, 1964) de Mario Caiano.

-Salario para matar (Il mercenario, 1968) de Sergio Corbucci.

-Django y Sartana (Arrivano Django e Sartana... è la fine, 1970) de Demofilo Fidani y Diego Spataro.

También el western más actual se podrá conseguir en establecimientos en un futuro próximo. En primer término, Filmax editará la nueva versión de El tren de las 3:10 (3:10 to Yuma, 2007) de James Mangold en edición sencilla y especial de 2 discos, sin olvidar el Blu-Ray ya disponible desde hace un tiempo. Por su parte, Universal pondrá a la venta 3 westerns televisivos hasta ahora comercializados sólo para alquiler:

-El jinete solitario (Lone Rider, 2008) de David S. Cass Sr.

-La fiebre de la pradera (Prairie Fever, 2008) de Stephen Bridgewater y David S. Cass Sr.

-Ases y ochos (Aces `N´ Eights, 2008) de Craig R. Baxley.

UNTAMED FRONTIER (1952)

2009-04-30T14:29:00.004+02:00

Untamed Frontier cuenta una historia típica de familias de grandes rancheros que dominan amplias extensiones de terreno bajo un inflexible mandato, que no permiten la irrupción de nuevos colonos que puedan hacerles sombra en unas zonas gubernamentales que con celo intentan salvaguardar para sí mismos. Hasta aquí, nada nuevo bajo el sol, nada que no hayamos visto antes en innumerables películas.

Sin embargo, ¿por qué detenerse a ver otro western más que rápidamente podría ser obviado de cualquier antología? ¿Por qué individualizar estas películas y no meterlas de lleno en ese gran saco de las producciones modestas en el que cabe de todo? La clave está en la mirada y el enfoque que se le de a la historia, en la habilidad para manejar unas constantes y lograr conferirles vida.

En el caso de Untamed Frontier nos encontramos al frente de la dirección a Hugo Fregonese, un interesante director de origen argentino que encaja con el prototipo de director artesano del Hollywood clásico, un director que dentro de la modestia de las serie b de los grandes estudios, podía manejarse con libertad y aportar su oficio y buen hacer a los productos que se le encomendaban, enclavados en cualquier género popular.

La personalidad del director se manifiesta principalmente en el trayecto moral que atraviesan los personajes, una rica familia marcada por su egocentrismo y el odio que manifiestan y en cómo debido a las circunstancias, la irrupción en sus vidas de un personaje externo va derribando poco a poco su mundo, y ante la negativa o incapacidad al cambio de los primeros, seguramente debido a la ceguera que les produce su arraigado odio, les conduce irremediablemente a la autodestrucción personal, al tiempo que un nuevo orden, en principio más justo y sin haberse corrompido, les sobrepasa y acaba por imponerse.

También es apreciable la huella de Fregonese en la ambientación semi-mexicana del film, seguramente debida a su ascendencia latina, que está marcada una excelente fotografía en interiores de Charles Boyle, que realza las sombras y la iluminación mediante velas o llamas y que ayuda a remarcar la iconografía del país azteca.

Además, Fregonese se vio rodeado por un sólido reparto realmente inspirado: Scott Brady, con una interpretación muy lograda dentro de su irregular carrera; un Joseph Cotten que domina su papel con la misma facilidad de siempre en el rol más mesurado de la familia protagonista y tanto de lo mismo para Shelley Winters. Pero donde hay que prestar atención es en la portentosa actuación del poco reconocido Minor Watson, a cargo del tiránico patriarca, casi siempre encuadrado por Fregonese en ligero contrapicado para resaltar su amenazadora presencia.

Con todas estas directrices indicadas, y algunas más, Fregonese consiguió un reivindicable western de esos que de vez en cuando hay que quitarles el polvo acumulado por el olvido de los años.

FICHA TÉCNICA

Director: Hugo Fregonese.
Producción: Leonard Goldstein para Universal.
Guión: Gerald Drayson Adams, Gwen y John Bagni; según historia de Houston Branch y Eugenia Night.
Fotografía: Charles P. Boyle.
Música: Hans J. Salter.
Sonido: Leslie I. Carey, Richard DeWeese.
Montaje: Virgil W. Vogel.
Intérpretes: Joseph Cotton (Kirk Denbow), Shelley Winters (Jane Spencer), Scott Brady (Glenn Denbow), Suzan Ball (Lottie), Minor Watson (Matt Denbow), Katherine Emery (Camilla Denbow), José Torvay (Bandera), Douglas Spencer (Clayton Vance), John Alexander (Max Wickersham), Lee Van Cleef (Dave Chittun), Richard Garland (Charlie Fentress), Robert Anderson (Ezra McCloud), Fess Parker (Clem McCloud), Ray Bennett (Sheriff Brogan), David Janssen, Alex Montoya…
Nacionalidad y año: Estados Unidos. 1952.
Duración y datos técnicos: 72 minutos. 1.37:1. Technicolor.

El Álamo de John Wayne será restaurado para 2010.

2009-04-22T11:39:00.004+02:00

Hace muy poco tiempo Robert Harris, líder de un reputado grupo de restauración de films, entre cuyos logros se recuerdan la restauración de Lawrence de Arabia (Lawrence of Arabia, 1962) o El padrino (The Godfather, 1972) anunció en su web la próxima restauración de la gran superproducción westerniana que llevó a cabo John Wayne como director, nada menos que su El Álamo (The Alamo, 1960), con vistas a su perduración en el futuro y a la explotación en DVD y Blu-Ray.

Según cuenta Harris, se pretende restaurar la versión íntegra del film incluyendo su obertura, entreacto y finale con la grandiosa banda sonora creada por el maestro Dimitri Tiomkin. Al parecer, tras la imposibilidad de usar uno de los negativos originales en 70 mm. y Eastmancolor, dado que la última copia disponible esta muy deteriorada (la copuia que dio origen al Laserdisc de los años 90), finalmente el trabajo partirá de tres negativos en 65 mm. en blanco y negro pero que contienen la información básica de cada uno de los colores primarios (magenta, cyan y amarillo) con los que poder restaurar la imagen original.

La reconocida banda de sonido en 6 canales (ganadora de un Oscar) al parecer no presentará tanta dificultad de restauración. Con todo, Harris se muestra optimista con los resultados y estima un trabajo que llevará de 10 a 12 meses con un presupuesto de 1,4 millones de dólares aun cuando son posibles nuevas donaciones. Estaremos atentos a cualquier noticia sobre el tema...

Fuente: http://www.thedigitalbits.com/articles/robertharris/harris032009.html

CARAVANA DE MUJERES (WESTWARD THE WOMEN, 1951)

2009-04-03T13:29:00.006+02:00

El western nunca ha sido un género marcado por el toque femenino. Si bien es cierto que nunca han faltado personajes femeninos de entidad, casi siempre han sido relegados al ámbito romántico o a establecer un matriarcado como los que muy bien supo reflejar John Ford. Nunca ha sido un género dado a las heroínas, aun cuando tenemos las excepciones de todos conocidas: la Vienna de Joan Crawford, la Altar Keane de la Dietrich o aguerridas cowgirls de los 30 y 40 como la Calamita Jane de Jane Arthur dan testigo de ello.

Pero faltaba una película que supusiese aunar la épica del western con las mujeres, y fue precisamente un cineasta totalmente ajeno al género, el gran Frank Capra, a quien se le ocurriese la idea de llevar a la pantalla la hazaña de 150 mujeres que viajan al Oeste en busca de marido. Capra finalmente no pudo hacerse cargo del proyecto, que recayó en manos de un director no menos valioso pero en principio chocante: William A. Wellman, conocido especialmente por su poca docilidad con las intérpretes femeninas.

Wellman, que según se cuenta, no daba de sí cuando le propusieron el proyecto, pero aceptó por ser una trama sumamente original que podría ser un éxito seguro. Y es curioso como directores de su generación (él mismo, Ford o Walsh), que siempre priorizaban el cine masculino, tuvieran tanta sensibilidad al retratar al género contrario.

Las mujeres del film de Wellman ya no son estereotipos, han de afrontar la cruda dureza del Oeste con tanto o más esfuerzo que los hombres. Su peripecia durante el viaje en caravana se convierte también en un camino iniciático que las hace alcanzar la igualdad que merecen y ganarse el respeto y admiración de aquellos que con su actitud misógina, siempre desconfiaban irónicamente de ellas, como simboliza el personaje de Robert Taylor.

No se cae en el feminismo falso e hipócrita de tener que ponerles las cosas fáciles para que las mujeres puedan reivindicarse, sino que ellas mismas han de lograrlo de su propio sudor y esfuerzo, ellas mismas han de luchar por conseguir aquello a lo que aspiran, y una vez alcanzado es cuando por fin pueden exigir sus intereses, como sucede en las escenas finales del film, cuando deciden demorarse un tiempo más para poder ir bien arregladas a la ciudad, o la emocionante y sensible escena de la presentación a sus futuros esposos, donde son ellas las que toman la iniciativa.

Todo ello retratado con la mano casi invisible de Wellman, cuyo trazado narrativo resulta impecable, sabiendo conferir el detallismo y tacto femenino a los cánones clásicos del género, e hilvanando sin problemas ni fisuras la crudeza con la emotividad, lo dramático y trágico con el humor, humor ya bien explícito como en aquella estupenda secuencia con Taylor y Nakamura ebrios o un humor que brota espontáneamente del devenir cotidiano y el aprendizaje de sus integrantes, o de aquellos cortísimos personajes encarnados por secundarios habituales: Chubby Johnson, George Chandler…

Sólo falta, por último, reconocer los méritos de aquellos otros miembros que hicieron posible esta gran película, como la excelente fotografía en blanco y negro de William Mellor o un compacto reparto en toda su extensión destacando especialmente a Robert Taylor, perfectamente comedido, y sobretodo la gigantesca y madura Hope Emerson en un antológico papel que se convierte en madre y alma de toda la caravana y por ende, de la película entera. Sin olvidar a los gloriosos McIntire y Vanni, amén del perrillo que acompaña a esta última y su hijo y protagoniza una de las escenas más emotivas.

FICHA TÉCNICA

Director: William A. Wellman.
Producción: Dore Schary para Metro Goldwyn Mayer.
Guión: Charles Schnee, basado en una historia de Frank Capra.
Fotografía: William Mellor.
Música: Melodía To the West! To the West! de Henry Russell.
Sonido: Douglas Shearer.
Montaje: James E. Newcom.
Dirección artística: Cedric Gibbons, Daniel B. Cathcart.
Vestuario: Walter Punklett.
Intérpretes: Robert Taylor (Buck Wyatt), Denise Darcel (Danon), Hope Emerson (Patience), John McIntire (Roy Whitman), Julie Bishop (Laurie), Lenore Lonergan (Maggie), Henry Nakamura (Ito), Marilyn Erskine (Jean), Renata Vanni (Sra. Varoni), Beverly Dennis (Rose),
Nacionalidad y año: Estados Unidos. 1951.
Duración y datos técnicos: 112 minutos. 1.37:1. Blanco/Negro.

Nuevos dvds de Impulso.

2009-03-30T14:07:00.003+02:00

Impulso Records vuelve a sacar al mercado nuevos grandes títulos, esta vez en asociación con 20th Century Fox (y parece que en mejores condicones que las ediciones de títulos de Warner/MGM, ya que ahora parten de másters anamórficos donde procede y traídos de zona 1) para el próximo día 3 de abril, dividiéndose los títulos como exclusivas para El Corte Inglés y FNAC, aunque al parecer los títulos de ECI ya están diponibles en tiendas.

Exclusivas Corte Inglés:

-La ley del talión (The Last Wagon, 1956) de Delmer Daves.

-Las aventuras de Buffalo Bill (Buffalo Bill, 1944) de William A. Wellman.

Exclusivas FNAC:

-Incidente en Ox-Bow (The Ox-Bow Incident, 1943) de William A. Wellman.

-La venganza de Frank James (The Return of Frank James, 1940) de Fritz Lang.

DE HOMBRE A HOMBRE (DA UOMO A UOMO, 1967)

2009-03-25T10:49:00.005+01:00

Título muy apreciado dentro de los círculos de seguidores acérrimos del western europeo, De hombre a hombre es todo un compendio de elementos recurrentes del denominado spaghetti-western, donde no faltan ni una historia cuyo motor narrativo es la venganza, ni los duelos, ni las escenas violentas… ni la alargada sombra que sobre el género proyectó la seminal trilogía del dólar de Leone, tanto en sus formas como en su apreciable banda sonora, obra, cómo no, de Ennio Morricone, construida alrededor de temas corales, y que adquiere gran protagonismo en los primeros compases del film merced a la ausencia de diálogos, siendo su melodía principal utilizada años después por ese homenajeador/saqueador del cinema bis que es Quentin Tarantino para su(s) Kill Bill, donde también aprovecha un recurso narrativo de la película que nos ocupa en cierto flashback de la novia.

Así, el punto de partida argumental de la película no puede ser más manido, hasta el punto de que no es difícil encontrar otras películas encuadradas en semejantes coordenadas estilísticas que partan de una base argumental similar, caso de Garringo (1969) de Rafael Romero Marchent: un niño presencia como una banda de forajidos mata a toda su familia. Desde ese momento, la vida del muchacho no tendrá otro objetivo que el de acabar con aquellos que asesinaron a los suyos. Para ello, guarda marcadas a fuego en su memoria varias particularidades del aspecto de cada uno de los asesinos que espera que le sirvan de ayuda para poder reconocerlos. Junto a este arco argumental, tenemos otro, también con el leitmotiv de la venganza por bandera, protagonizado por un ex-miembro de esa banda, quien fue traicionado por sus compañeros siendo entregado a la justicia y por lo que ha tenido que pagar quince años de trabajos forzados.

Ni qué decir tiene que ambas historias acabaran por confluir e incluso deparar un (no demasiado) sorpresivo giro final, dando como resultado la tradicional historia de maestro-discípulo tan cara al género, como podemos comprobar en títulos como la maravillosa Bandidos (Crepa tu… che vivo io, 1967) de Massimo Dallamano, conjugando la sapiencia que da la veteranía de uno, con la impulsiva juventud y valor del otro, siendo ambos roles interpretados respectivamente por los norteamericanos Lee Van Cleef, convertido ya en todo un icono del género gracias a su trabajo con Sergio Sollima en la magnífica El halcón y la presa (La resa dei conti, 1966), y sus colaboraciones con Leone, en un papel que, precisamente, algunas fuentes han querido ver como una prolongación de su Coronel Mortimer de La muerte tenía un precio (Per qualche dollaro in più, 1965), y el espigado John Phillip Law, por entonces una incipiente estrella del cine de género europeo, quien con su magnífica y fría interpretación de su atormentado personaje adelanta alguno de los rasgos del Diabolik que interpretaría aquel mismo año, detalle este potenciado por la proliferación de encuadres “oculares” tan típicos del cine leoniano.

Primera incursión en los terrenos del eurowestern a cargo de los productores Henryk (Enrico) Chrosicki y Alfonso Sansone, quienes hasta ese momento se habían venido especializando en películas de qualité, como por ejemplo L’ape regina (1963) de Marco Ferrari, con guión de nuestro Rafael Azcona, también supuso el debut en el género de su director, Giulio Petroni, quien aparte de dar un acabado técnico al conjunto por encima de lo habitual, pese a que no escape de ciertos modismos de la época, como el empleo del zoom, aún cuando este sea relativamente bien utilizado como refuerzo para subrayar los gestos de los protagonistas, o los movimientos rápidos de cámara, deja un par de ramalazos de crítica política (o social), la cual sería la base de su siguiente film, la muy superior Tepepa (1968), aprovechando la buena posición conseguida por los cabecillas de la banda de forajidos años después de los hechos con los que arranca el film. De este modo, uno de los jefes es un respetado y temido dueño de un saloon cuya sola palabra sirve para que Bill, el personaje de Law, se libre de ser encarcelado y juzgado por las corruptas fuerzas del orden del lugar, en tanto que el líder de la misma es un banquero que, mientras que de cara al pueblo muestra un rostro de benefactor de la ciudad, en la sombra planea robos para hacerse con el dinero destinado por el erario público para las mejoras vecinales que él mismo promueve.

Pese a que adolezca de un desarrollo irregular que puede echar para atrás a los más impacientes, De hombre a hombre es un estimable aunque desigual ejemplo de western all’italiana, lejos de la obra redonda que algunos han querido ver en ella, pero muy por encima del nivel medio de este tipo de cintas, merced a los grandes momentos que encontramos desperdigados a lo largo de su metraje, de forma muy especial en su brillante último tercio, con esa batalla en el poblado mexicano presidida por una tormenta de arena y sus prolegómenos, sin olvidar otras escenas que resultan sumamente atractivas desde el punto de vista ético, como aquella en la que se intercambian los papeles y es Bill quien asiste impasible a los golpes que recibe de un hermano de su última víctima deseoso de venganza.

José Luis Salvador Estébenez, para La Abadía de Berzano.

FICHA TÉCNICA

Director: Giulio Petroni.

Producción: Henryk Chrosicki, Alfonso Sansone.

Guión: Luciano Vicenzoni.

Fotografía: Carlo Carlini.

Música: Ennio Morricone.

Sonido: Elio Pacella.

Montaje: Eraldo Da Roma.

Intérpretes: Lee Van Cleef (Ryan), John Phillip Law (Bill Meceita), Mario Brega (Paco), Luigi Pistilli (Walcott), Anthony Dawson (Burt Cavanaugh), José Torres (Pedro), Franco Balducci (Sheriff), Bruno Corazzari (Cómplice de Walcott), Felicita Fanny (Chica del pueblo), Ignazio Leone (Shepherd), Carlo Pisacane (Jefe de estación de Holly Spring), Angelo Susani, Vivienne Bocca, Mario Mandalari, Ennio Pagliani, José Terrón...

Nacionalidad y Año: Italia, 1967.

Duración y Datos técnicos: 120 minutos. 2.35:1. Technicolor. Techniscope.

FLAMING FEATHER (1952)

2009-03-18T11:05:00.007+01:00

Dentro de la producción de westerns de serie b durante los años 40 y 50 destacan una serie de títulos bastante atractivos producidos por Nat Holt, siempre apoyados en regios repartos de actores característicos del género y en las buenas hechuras de artesanos especializados en el género como por ejemplo Edwin L. Marin y normalmente contaban con la máquina de escribir de Frank Gruber para encargarse del guión.

Flaming Feather quizá sea una de las colaboraciones menos inspiradas del dúo formado por Holt y Gruber, aunque en esta ocasión el guionista cede la batuta al menos conocido Gerald Drayson Adams y haciéndose cargo de algunos diálogos sólamente. El guión, en esta ocasión es el prototípico de cualquier western de similar temática de la época, con el noble ranchero en busca del villano enmascarado bajo un apodo que nadie conoce y que lidera a los indios en beneficio propio.

Siguiendo con el guión, son apreciables los elementos casi de cine negro con que nos podemos encontrar: un villano a quien nunca vemos nítidamente, una investigación en paralelo tanto por parte de estamentos públicos (la patrulla de caballería) como la propia del protagonista, una corista con aires de femme fattale escoltada por un pistolero, asesinatos desde las sombras, el pistolero vestido galantemente al que por momentos apuntas las sospechas…

Lástima que también esté lastrado por algunos tópicos que rompen con el ritmo narrativo y que el experimentado director Ray Enright, en su último título del género y menos imaginativo que en otras ocasiones, no puede sortear como son las innecesarias escenas para explotar las habilidades musicales de la protagonista, o se ve incapaz de pulir como el esquemático personaje de la india despechada que sirve al malo de la función.

Sólo por momentos parece permitir detalles interesantes como cierta ineptitud en el estamento militar, que vaga de un lado para otro sin encontrar nunca indicios de nada, eso cuando no se encuentran en la taberna disfrutando del espectáculo, y liderada por un teniente que no duda en apostar el sueldo de un año. También es destacable el diseño del escenario donde se desarrolla el clímax final, un poblado indio de adobe construido en plena oquedad del acantilado y que en parte recuerda al de Juntos hasta la muerte (Colorado Territory, 1949) de Raoul Walsh; y las solventes escenas de acción.

Finalmente, también podríamos reconocer la buena labor actoral que efectúa Victor Jory, brindando un personaje de villano atractivo, por encima de unos Sterling Hayden y Forrest Tucker menos entonados de lo habitual aunque más acertados que sus compañeras femeninas. Por último, pero no el peor parado, el veterano Edgar Buchanan, haciéndose cargo, junto al personaje del doctor, de la función cómica del film en la piel del típico sargento chusquero propenso al alcohol, al tabaco de mascar y al insulto, como siempre han sido estos simpáticos personajes.

FICHA TÉCNICA

Director: Ray Enright.
Producción: Nat Hot para Paramount.
Guión: Gerald Drayson Adams, Frank Gruber (diálogos). Basado en un relato del primero.
Fotografía: Ray Rennahan
Música: Paul Sawtell.
Montaje: Elmo Billings.
Sonido: Harold Lewis, Gene Garvin.
Intérpretes: Sterling Hayden (Tex McCloud), Forrest Tucker (Teniente Tom Blaine), Arleen Whelan (Carolina), Barbara Rush (Nora Logan), Victor Jory (Lucky Lee, “Sidewinder”), Richard Arlen (Eddie Calhoun), Edgar Buchanan (Sargento O´Rourke), Carol Thurston (Turquoise), Ian MacDonald (Tombstone Jack), George Cleveland (Doc Fallon), Ray Teal (Sheriff), Nacho Galindo (José), Kermit Maynard…
Nacionalidad y año: Estados Unidos, 1952.
Duración y datos técnicos: 74 minutos. 1.37:1. Technicolor.

Spaghettis en dvd.

2009-03-17T11:06:00.003+01:00

El próximo 25 de marzo, Suevia distribuirá cuatro nuevos títulos de spaghetti western en dvd editados por Premium, empresa poco conocida hasta la fecha. Los títulos son los siguientes y vendrán bajo el epígrafe de Colección Westerns de Oro:

-Oro sangriento (Ehi amico... c´è Sabata, hai chiuso!, 1969) de Gianfranco Parolini.
-Texas, 1870 (È tornato Sabata... hai chiuso un´altra volta, 1971) de Parolini.
-7 dólares al rojo (Sette dollari sul rosso, 1966) de Alberto Cardone.
-Shangai Joe (Il Mio nome è Shangai Joe, 1972) de Mario Caiano.

Todos los títulos se anuncian en formato de TV 4:3, sin que hasta la fecha se sepa si respetarán el formato cinematográfico, aunque sin mejora anamórfica. En cuanto a audios, los dos títulos protagonizados por el célebre Lee Van Cleef y el pastiche de Caiano incluirán doblaje español e inglés. La película de Cardone sustituye el inglés por italiano. La presencia de los imprescindibles subtítulos es muy dudosa que se de.

Próximas novedades en DVD.

2009-03-12T12:26:00.003+01:00

El próximo mes de abril varios lanzamientos verán la luz de la mano de la colaboración entre Impluso Records y Warner, que como viene siendo habitual, partirán de copias destinadas a televisión de calidad variable, y que en el caso de contar con formatos de pantalla ancha, no incluirán la siempre deseada mejora anamórfica. Los títulos son los siguientes:

-Juntos hasta la muerte (Colorado Territory, 1949), de Raoul Walsh.
-Las pistolas del infierno (Day of the Evil Gun, 1968), de Jerry Hopper.
-El destino también juega (A Big Hand for the Little Lady, 1966), de Fielder Cook.
-El honor del capitán Lex (Springfield Rifle, 1953), de André de Toth.
-Las aventuras de Jeremiah Johnson (Jeremiah Johnson, 1972), de Sydney Pollack.

Por su parte, Impulso continuará con su colección de spaghetti western con unos cuantos títulos nuevos, que distribuirá Suevia:

-El sabor de la venganza (1963), de Joaquín Luis Romero Marchent.
-El vengador del sur (I vigliachi non prefano, 1969), de Mario Caiano.
-Cazador de recompensas (Per il gusto di uccidere, 1966), de Tonino Valerii.

Al margen de estos lanzamientos, Sogemedia, prevee comercializar uno de los westerns cómicos que protagonizó el gran Bob Hope, nada más y nada menos que Alias Jesse James (1959) de Norman Z. McLeod y plagada de cameos de viejas glorias del western de serie b y de las nuevas estrellas del western televisivo de la época; sin que hayan trascendido las características de la edición, aunque es de esperar que siga en la tónica de los últimos lanzamientos correctos de esta empresa.

SOLO ANTE EL PELIGRO (HIGH NOON, 1952)

2009-03-10T10:02:00.008+01:00

A estas alturas que duda cabe ya que Solo ante el peligro es todo un mito no ya de la historia del western, sino de la historia del cine y de la relación entre lo cinematográfico y lo ideológico. Se han escrito muchísimos ríos de tinta, seguramente demasiados, sobre el alegato presente en la película en contra de la Caza de Brujas del reaccionario senador Joseph McCarthy debido a las vinculaciones con el Partido Comunista del guionista del film, Carl Foreman, pero no nos gustaría volver a reincidir en lo mil veces dicho, así que intentaremos abordar alguna lectura alternativa de la película de Fred Zinnemann que pueda complementar a lo ya conocido por todos.

Podríamos hablar sobre el análisis que se hace de la figura del héroe, un héroe que por una primera vez se le concede la capacidad de dudar de sus posibilidades (quizá sea esto lo que no llegó a entender o que disgustaba a Howard Hawks) y buscar apoyo en todos aquellos que siempre le habían apoyado cuando las cosas iban viento en popa.

Siempre se ha dicho que la unión hace la fuerza, y en el caso de Solo ante el peligro esta unión está rota por todas partes, cada habitante del pueblo tiene sus motivos e intereses personales para no respaldar a un miembro de la comunidad, que van desde el egoísmo materialista e hipócrita de algunos hasta el egocentrismo de la actitud de otros, y aquellos que siempre han sido ciudadanos normales y corrientes, sin ambiciones, ante la falta de un consenso comunitario se refugian en la cobardía del individuo solitario.

Es curioso que los pocos que parecen querer ayudar al héroe sin dudar sean aquellos miembros menos considerados del pueblo: borrachos, adolescentes y ancianos desvalidos que son los menos aptos para la peligrosa tarea a realizar. Así pues, el héroe finalmente deberá afrontar su crisis de identidad comunitaria por el mismo y no esperar a que nadie le saque las castañas del fuego y superar por sí mismo sus dudas.

Más allá de estas leves consideraciones, deberíamos resaltar el excelente dominio narrativo demostrado por Zinnemann a la hora de contar las desventuras del Marshal Kane y dosificando la tensión del relato poco a poco de forma sostenida, como van mostrando los insertos en el montaje de los forajidos esperando la llegada del tren o de relojes marcando los minutos restantes para la llegada de aquél. Sin duda el realizador tuvo una inestimable colaboración de la mano del montador Elmo Williams llegando a regalar una película casi de tiempo real.

También tuvo la bendición de contar con un reparto apabullante casi en toda su extensión, con pequeños pero suculentos papeles para luminarias de la actuación de carácter, muchos de ellos muy vinculados al género, como Thomas Mitchell, Lon Chaney Jr., Harry Morgan, Otto Kruger, Lloyd Bridges, Katy Jurado, Robert J. Wilke o un Lee Van Cleef debutante que no pronuncia palabra alguna, por citar algunos.

Pero la gran baza del reparto es su protagonista, un Gary Cooper que volvió a renacer con una interpretación apabullante, llena de matices y de gestos que lo dicen todo de un personaje que le vino como anillo al dedo a pesar de no ser el primer tanteado para realizarlo. Su interpretación, galardonada con el Oscar de la Academia Hollywoodiense, llena de naturalidad (a pesar del hecho de que Cooper afirmara que sus expresiones se debían a una úlcera que sufría), sin duda sentó bases y se convirtió en el espejo al que miraron muchos creadores a la hora de delinear futuros héroes más complejos para el género –pero no olvidemos que no fue el primer héroe con profundidad psicológica, ni mucho menos-.

Sólo por poder apreciar la interpretación maestra de Cooper y la célebre banda sonora de Dimitri Tiomkin Solo ante el peligro merece un lugar destacado entre las grandes obras del western.

FICHA TÉCNICA

Director: Fred Zinnemann.
Producción: Stanley Kramer para Stanley Kramer Productions/United Artists.
Guión: Carl Foreman, basado en el relato The Tin Star, de John W. Cunningham.
Fotografía: Floyd Crosby.
Música: Dimitri Tiomkin.
Sonido: John Speak.
Montaje: Elmo Williams.
Intérpretes: Gary Cooper (Marshal Will Kane), Thomas Mitchell (Alcalde Jonas Henderson), Lloyd Bridges (Ayudante Harvey Pell), Katy Jurado (Helen Ramírez), Grace Kelly (Amy Fowler Kane), Otto Kruger (Juez Percy Mettrick), Lon Chaney Jr. (Martin Howe), Harry Morgan (Sam Fuller), Ian MacDonald (Frank Miller), Eve McVeagh (Mildred Fuller), Morgan Farley (Sacerdote), Harry Shannon (Cooper), Sheb Wooley (Ben Miller), Robert J. Wilke (Jim Pierce), Lee Van Cleef (Jack Colby), John Doucette, Jack Elam, Chubby Johnson, James Millican, Syd Saylor, Bob Carson, Chuck Hayward, Lee Aaker…
Nacionalidad y año: Estados Unidos. 1952.

Duración y datos técnicos: 85 minutos. 1.37:1. B/N.

TOM HORN (TOM HORN, 1980)

2009-03-03T08:56:00.005+01:00

A muchos actores veteranos, quizá intentando reverdecer cierta nostalgia por el pasado o por identificarse con el aura del héroe crepuscular, les ha dado siempre por acercarse al western en los postreros años de sus carreras. Steve McQueen no fue una excepción y se decidió a llevar a la pantalla las andanzas de Tom Horn. Horn, célebre por ser explorador del ejército que capturó a Gerónimo y veterano de la guerra de Cuba, en sus últimos años se dedicó a mantener a raya a los cuatreros que diezmaban los ranchos de Wyoming, siendo encarcelado tras asesinar a un muchacho de 14 años a considerable distancia y condenado a morir ahorcado meses más tarde, tiempo durante el cual tuvo tiempo de escribir su autobiografía.

McQueen, para su penúltima aparición en pantalla, y ya minado por el cáncer, se encargó de producir y supervisar la película que consideraba un proyecto personal y que dio como resultado una producción intrincada tanto por la salud del protagonista como por sus decisiones: rechazó primeramente un guión del prestigioso William Goldman (que probablemente diera origen a la miniserie televisiva Mr. Horn (1979) dirigida por Jack Starrett) y se volvió loco con los varios directores que estuvieron involucrados en el proyecto, entre ellos Don Siegel, que no la dirigió por problemas de agenda; y Elliot Silverstein, que pretendía una película totalmente distinta.

Así, al final se subió al carro el televisivo William Wiard, aunque McQueen siempre tenía la última palabra en todo caso. Todo ello sin duda pasó factura a la película, que muestra una puesta en escena totalmente átona, sin resaltar una escena por encima de la otra, como una brisa suave y constante que nunca parece escapar de la monotonía.

Pero no por ello la película deja de tener momentos interesantes que un director más imaginativo habría sabido potenciar, como es el sonido del agua que recorre el ingenio hidráulico que activará la horca y que se adueña de la sala, o el rara avis que parece el protagonista dentro de la nómina de héroes crepusculares del género. Si normalmente este tipo de westerners, se rebelan contra un mundo en el que ya no encajan y llevan a cabo una última aventura, muchas veces suicida, en pos de afirmarse en ese mundo que les rechaza; el Tom Horn que encarna McQueen, en una interpretación algo más correcta de lo habitual en él; es totalmente distinto, actúa como si nada fuese con él y abstrayéndose a la rememoración del breve idilio que tuvo con el personaje de Linda Evans.

Son detalles interesantes de un guión malogrado suculento pero malogrado por las circunstancias, que quizá peque de una excesiva atención al protagonista (o quizá sea otra de las decisiones de McQueen en un ejercicio de narcisismo interpretativo) dejando poco lugar a personajes secundarios que podrían dar mucho juego y de los que sólo parecen tener vida los interpretados por Richard Farnsworth y Slim Pickens, este último también en una de sus últimas actuaciones. Lastres que empañan un film que podría haber dado mucho más de sí y del que lo que más pueda permanecer en la retina es sin duda la bella fotografía de John Alonzo.

FICHA TÉCNICA

Director: William Wiard.
Producción: Fred Weintraub y Steve McQueen; para First Artists/Warner Brothers.
Guión: Thomas McGuane y Bud Shrake, basado en Life of Tom Horn, Government Scout and Interpreter. Written by Himself de Tom Horn.
Fotografía: John Alonzo.
Música: Ernest Gold.
Sonido: Jerry Jost.
Montaje: George Grenville.
Vestuario: Luste Bayless.
Intérpretes: Steve McQueen (Tom Horn), Linda Evans (Glendolene Kimmel), Richard Farnsworth (John C. Coble), Billy Green Bush (Joe Belle), Slim Pickens (Sheriff Sam Creedmore), Peter Canon (Asistente del fiscal), Elisha Cook Jr. (Dueño del establo), Roy Jenson (Mendenhour), Chuck Hayward (Ayudante Proctor), James Kline (Arlo Chance), Geoffrey Lewis (Walter Scholl), Steve Oliver (“Gentleman” Jim Corbett)…
Nacionalidad y año: Estados Unidos. 1980.
Duración y datos técnicos: 93 minutos. 2.35:1 Panavision. Technicolor.

INFIERNO EN EL RÍO (BLUE, 1968)

2009-02-25T11:36:00.005+01:00

La psicología del pistolero ha sido analizada en infinidad de clásicos del western, desde El pistolero (The Gunfighter, 1950), de Henry King; hasta Sin perdón (Unforgiven, 1992), de Clint Eastwood; sin olvidar títulos tan emblemáticos como las excelentes Raíces profundas (Shane, 1953), de George Stevens; o El Dorado (El Dorado, 1966), de Howard Hawks; por poner algunos ejemplos de todos conocidos. Al otro lado del charco, las producciones europeas conocidas como spaghetti westerns nunca han intentado una profundización psicológica tan profunda, salvo excepciones, caso de Il grande silenzio (1968), de Sergio Corbucci; o la película de Narizzano que tratamos aquí.

A grandes rasgos, la concepción del protagonista de la película de Narizzano es muy similar en su punto de partida al de la película de Corbucci citada, aun cuando el personaje de Terence Stamp sí que es capaz de hablar, pero es casi tan silencioso como el Silencio de Jean Louis Trintignant. Sólo ese apunte en cuanto a similtudes entre ambos films, porque la película de Narizzano es sin duda extrañísima y desconcertante, muy difícil de adscribir rápidamente a una de las dos corrientes del western de la época, el clasicismo o el spaghetti.

Así, esta producción británica rodada en el recordado valle de Moab (Utah) -primer motivo de conflicto: las localizaciones y la producción, ¿es un spaghetti puro o no?- se inicia como cualquier producción italo-española de la época, ambientándose en el México de la época de Maximiliano y con una puesta en escena y una estética propiamente spaghetti (algunos zooms rapidísimos, efectismos y cierta festividad folclórica salvajista), pero en cuanto la línea dramática pasa al otro lado de Río Grande y el personaje es protegido por el doctor interpretado por Karl Malden y su hija, la cosa cambia a un tono reposado más clásico, indagando en el interior de la psicología de los personajes y dando tiempo a sus relaciones personales.

Ambos estilos están hábilmente compenetrados, y es de agradecer que Narizzano no cargue demasiado las tintas sobre aquellos recursos visuales mas molestos como los zooms o los grandilocuentes planos desde helicóptero, es más, por momentos su dirección es digna de maestría, aprovechando una gran profundidad de campo, como en aquel plano de una noche estrellada en que Ricardo Montalbán dialoga con su lugarteniente (Joe de Santis) mientras se alejan de espaldas a la cámara.

No nos olvidemos tampoco de alabar la excelente fotografía la música de Manos Hadjidakis, todo ello sumado a un estupendo reparto donde brillan por encima de todos los veteranos Malden y Montalbán, de los que no desmerecen los jóvenes protagonistas, Joanna Pettet y Terence Stamp, del que sólo hay que lamentar su episódico histrionismo. Todo ello dan como conjunto una película extraña como ya hemos apuntado, pero también fascinante y visualmente exquisita.

FICHA TÉCNICA

Director: Silvio Narizzano.
Producción: Judd Bernard e Irwin Winkler, para Kettledrum/Paramount.
Guión: Meade Roberts y Ronald M. Cohen, según una historia del segundo.
Fotografía: Stanley Cortez.
Música: Manos Hadjidakis.
Sonido: John Carter, John Wilkinson.
Montaje: Stewart Linder.
Director de 2ª Unidad: Yakima Canutt.
Intérpretes: Terence Stamp (Blue), Joanna Pettet (Joanne Morton), Karl Malden (Doc Morton), Ricardo Montalbán (Ortega), Anthony Costello (Jess Parker), Joe de Santis (Carlos), James Westerfield (Abe Parker), Stathis Giallelis (Manuel), Carlos East (Xavier), Sara Vardi (Inez), Robert Lipton (Antonio), Jerry Gatlin….
Nacionalidad y año: Gran Bretaña, 1968.

Duración y datos técnicos: 108 minutos. 2.35:1. Panavision. Technicolor.

LA BATALLA DE LAS COLINAS DEL WHISKY (THE HALLELUJAH TRAIL, 1965)

2009-02-19T13:28:00.006+01:00

Viene siendo algo habitual en muchos directores de cine el hecho de que tras subirse al pedestal del éxito, creen haber dado con la fórmula que sea la panacea para elaborar sus siguientes películas. John Sturges no fue una excepción. Después de la gran acogida a nivel crítico y comercial que tuvieron Los siete magníficos (The Magnificent Seven, 1960), adaptación del clásico de Kurosawa Los siete samurais (Sichi-nin no samurai, 1954); y La gran evasión (The Great Escape, 1963), películas de factura más que correcta aunque no lleguen al nivel tanto cinematográfico ni dramático de las películas que el realizador dirigió en la década anterior; Sturges se recreó en dos westerns cómicos de titubeantes resultados, Tres sargentos (Sergeants 3, 1962), al servicio del clan Sinatra/Martin; y La batalla de las colinas del whisky, que aquí tratamos.

Así, La batalla de las colinas del whisky quiere ser una superproducción que intenta emular de alguna forma el alcance de varios de los espectáculos mastodónticos que poblaron el género por aquellos años, pero en clave de comedia, cometido que en ningún momento llega a lograr, y no porque no parta de una idea bastante original: una caravana de whisky sobre la que intentan ceñirse varias facciones confrontadas (indios, congregaciones feministas-abstencionistas, milicias ciudadanas guiadas por un vidente, y la Caballería), por no olvidarnos de las disputas laborales entre los conductores de la caravana y el dueño del cargamento, un especulador “contribuyente y buen republicano”.

Sin duda, las carencias se deben a un guión errático que desaprovecha en buena medida las posibilidades del conjunto y que en ocasiones muestra resoluciones triviales a muchas ideas y situaciones, cosa que se refleja en la apática puesta en escena del realizador, mucho menos inspirada de lo habitual y que sólo por momentos muestra momentos divertidos o ingeniosos, como en el caso de las escenas en que la milicia ciudadana va a pedir consejo a ese oráculo cuya clarividencia va ligada a la cantidad de alcohol que ingiere, o una de las escenas finales en que se vuelcan las convenciones habituales, siendo el ejército el que ataque cabalgando en círculos a los indios rodeados; o en los paralelismos con la estética cartoon de los títulos de los créditos o los mapas de situación que aparecen durante la trama.

Pero todo ello no sirve para realzar una película de la medianía, que ni siquiera es capaz de ofrecer en las escenas de acción la espectacularidad que promete, especialmente en la visualmente sucia batalla en la ventisca de arena. Sólo queda lamentarse de lo que podría haber llegado a ser la película de haber sabido explotar mejor sus recursos con un guión más lacerante, en un film simpático pero francamente intrascendente, que se deja ver principalmente por la encomiable labor de varios de los intérpretes (gente tan valiosa como Burt Lancaster, Brian Keith, Donald Pleasance, Dub Taylor…) y por la resultona música de Elmer Bernstein.

En fin, un tropiezo de desmesurada duración para un director de mayor calibre que por lo menos logró redimirse con su siguiente aportación al género, La hora de las pistolas (Hour of the Guns, 1967), mucho más entonada con sus magníficas películas de los 50 y que supuso una revisitación de los hechos de O.K. Corral que el propio Sturges ya había llevado a la pantalla en la excelente Duelo de titanes (Gunfight at O.K. Corral, 1957).

FICHA TÉCNICA

Director: John Sturges.
Producción: John Sturges para The Mirisch Corporation/United Artists.
Guión: John Gay, basado en la novela de Bill Gulick.
Fotografía: Robert Surtees.
Música: Elmer Bernstein.
Sonido: Robert Martin.
Montaje: Ferris Webster.
Vestuario: Edith Head.
Intérpretes: Burt Lancaster (Coronel Thaddeus Gearhart), Lee Remick (Cora Massingale), Brian Keith (Frank Wallingham), Jim Hutton (Capitán Paul Slater), Pamela Tiffin (Louise Grearhart), Donald Pleasance (Oracle Jones), Martin Landau (Walks-Stopped-Over), John Anderson (Sargento Buell), Tom Stern (Kevin O´Flaherty), Robert J. Wilke (Jefe Five Barrels), Dub Taylor (Clayton Howell), Whit Bissell, Jerry Gatlin, Bing Russell, John Dehner (Narrador),…
Nacionalidad y año: Estados Unidos. 1965.
Duración y datos técnicos: 149 minutos. 2.35:1. Technicolor. Ultrapanavision.

Nuevos dvds de Warner-Impulso.

2009-02-16T16:40:00.004+01:00

Para finales de mes, Impulso Records editará en conjunción con Warner España cinco títulos clásiquísimos del género:

-Más allá del Missouri (Across the Wide Missouri, 1951), de William A. Wellman.

-La última cacería (The Last Hunt, 1956), de Richard Brooks.

-Dallas, ciudad fronteriza (Dallas, 1950), de Stuart Heisler.

-Una trompeta lejana (A Distant Trumpet, 1964), de Raoul Walsh.

-Caravana de mujeres (Westward the Women, 1951), de William A. Wellman.

Al parecer, según la información recibida, las cuatro primeras incluirán idiomas castellano e inglés subtitulado, aunque los films de Brooks y Walsh no llevarán mejora anamórfica. En el caso del último título de la lista, y a falta de mayor información, será lanzado en exclusiva para El Corte Inglés y no contará con doblaje en castellano, aunque sí llevará subtítulos. Todos rondan los 15 euros de precio, según tiendas.